La Cueva Show

¿Cómo van las Navidades? ¿Bien? ¿Mucha comida? Ya te digo yo que menos que en mi casa, seguro. Aquí ya estamos en ese punto en el que no sabes si desayunas turrón, comes croquetas o cenas sobras de ayer… todo vale.

Por cierto, dato random para soltar en la mesa y quedar como un puto genio del cine: ¿sabías que la mujer de John McClane en Jungla de cristal (Die Hard) es la tía, en la vida real, de Macaulay Culkin? Sí, sí. Kevin y la señora McClane son familia. Lógralo tú en el Trivial.

Pero espera, que esto no acaba aquí. Existe una teoría que aparece cada Navidad como el cuñado pesado, y dice que Solo en casa es básicamente el reboot infantil de Jungla de cristal. Y cuanto más lo piensas, más miedo da… porque tiene todo el sentido del mundo.

Similitudes que NO son casualidad

Protagonista solo en Navidad: John McClane y Kevin McCallister se quedan solos en Nochebuena después de una bronca familiar.
Ladrones a los que darles su merecido: John se enfrenta a terroristas haciéndose pasar por ladrones en un rascacielos; Kevin a los Wet Bandits. El enemigo se adapta a la edad.
Armas improvisadas: nada de pistolas de inicio. Aquí se pelea con lo que hay: cristales, botellas, explosivos caseros o bolas de Navidad que deberían estar prohibidas por la Convención de Ginebra.
Policía inútil: llaman, aparecen, miran alrededor y se van. Un clásico.
Pies descalzos y sufrimiento: McClane se destroza los pies con cristales; Marv pisa adornos como si fuera una versión extrema de Humor Amarillo.
Final feliz y reunión familiar: después de liarla parda, todos aprenden una lección y se abrazan. Navidad en estado puro.

Y ahora agárrate: los dos protagonistas se apellidan “Mc”.
John McClane. Kevin McCallister. ¿Coincidencia? JA.

Paralelismos para volarte la cabeza

Aliado inesperado:
- McClane tiene al sargento Al Powell.
- Kevin tiene al viejo Marley.
  Empiezan dando mal rollo y acaban salvando el día.
Frase mítica:
- “Yippee-ki-yay, motherf*cker”.
- “Keep the change, ya filthy animal”.
  Ambas deberían estar en camisetas.
Momento reflexión: los dos miran fotos familiares pensando “la he liado, pero quiero volver a casa”.
Detalle absurdo nivel dios:
- El chófer de la limo se llama Argyle.
- El tío Frank lleva un jersey argyle.
  EL CÍRCULO SE CIERRA.

Así que nada, la próxima vez que alguien diga que Jungla de cristal no es una película de Navidad, le sueltas esto y lo dejas KO antes del postre.

En fin… igual tengo que hacer un vídeo, ¿no?

Vamos al lío.

¡Ah! Y ¡¡Feliz Navidad!!

Springsteen: Deliver Me From Nowhere (Peli)

Este es un biopic difícil de clasificar, y más aún si te gusta el Boss. La película se centra en una etapa oscura del cantante, en la que sufrió una depresión bastante fuerte mientras grababa su álbum Nebraska. Es curioso, porque esperas una película al estilo del biopic de Robbie Williams o el de Queen y, al final, te encuentras con algo mucho más íntimo, que trata sobre las enfermedades mentales en una época en la que no era nada fácil aceptar que uno necesitaba ir a terapia.

He de reconocerte que, si vas con expectativas altas, puede que te las chafe. El personaje de Bruce es una especie de monje, obsesionado con la música y con su pasado. Créeme, esta parte me ha chirriado bastante. No me creo a un músico que no haya sido una bala perdida en alguna etapa de su vida. Buscando información, internet me ha dado la razón, ya que el personaje femenino —o interés romántico— del protagonista no existió en la realidad. Es una amalgama de todas las mujeres con las que se veía Springsteen en esa época. Vamos, que no era tan monje, pero supongo que eso en la película no quedaba tan bien.

Otra cosa que puede que te chirríe es que se habla mucho de su pasado y de su relación con su padre, pero a la hermana la muestran en un plano y luego desaparece por completo. Llegas a pensar si el personaje ha muerto o qué ha pasado… muy raro todo.

Si no la he puesto en la lista de películas que no recomiendo es por el final. Su desenlace me ha gustado mucho y, no te voy a engañar, he llorado. Es de esas escenas que se te quedan grabadas en la mente y que, seguramente, recordaré cada vez que piense en esta película. ¿Cómo puedes hacer una película tan caótica con un final tan excelente? En fin, seas o no fan del Boss, es una película bastante disfrutable. Un 6 que podría haber sido un 10 si tuviera más ritmo y más música. Lamentablemente han decidido tirar por otro camino. Totalmente válido, pero no creo que sea el que muchos queríamos ver.

Y para colmo, no esperes que suene Dancing in the Dark, porque no va a pasar. Con Born in the U.S.A. vas servido… y da las gracias.

La tienes para ver en alquiler.

The Running Man (Peli)

A mí, particularmente, no me ha gustado. Y eso que la idea de partida es potente: una sociedad futura donde la televisión convierte la violencia en prime time y los concursantes deben huir mientras son cazados en directo para el entretenimiento de las masas. Vamos, una crítica al sistema, al morbo televisivo y a la deshumanización… sobre el papel suena estupendo.

El problema es que la película no sabe qué hacer con todo eso.

Empezando por lo mejor: Glen Powell está enorme. Este tío tiene carisma para aburrir, sabe manejar el humor y levanta escenas que, sin él, serían bastante planas. Es de esos actores que entienden el tono y se nota que se lo pasa bien. Cada vez que aparece, la película respira.

Ahora bien, el argumento es un caos. Está mal hilvanado, da bandazos y llega un punto en el que no sabes si estás viendo una crítica social, un survival, una peli de acción o un tráiler estirado durante casi tres horas (sí, otra más). Se alarga innecesariamente y parece que nadie en la sala de montaje se atrevió a decir: “oye, esto sobra”.

Y luego están los personajes secundarios, que son prácticamente NPCs. No tienen fondo, no importan y, cuando les pasa algo, tu reacción es más bien un encogimiento de hombros. En una película donde se supone que la vida y la muerte están en juego, eso es bastante grave.

¿Tiene cosas salvables? Sí. La acción funciona, hay escenas potentes y momentos que se disfrutan. Pero todo está tan diluido, tan estirado y tan poco enfocado que al final te queda la sensación de estar viendo una peli que quiere decir muchas cosas y no dice ninguna del todo.

No la meto en el saco de películas que no te recomendaría, porque tampoco es un desastre.
Pero siendo claros: si no la ves, no se acaba el mundo. Y si la ves… probablemente prefieras, como yo, la versión de Schwarzenegger. Tiene más alma.

La puedes ver en tu cine más cercano.

Silent night (Peli)

Siempre me había dado una pereza tremenda verla. No sé si es por el póster, que parece sacado de un generador random de películas de terror, o porque estaba catalogada directamente como “terror”, cosa con la que discrepo muchísimo, porque tiene bastante más de comedia que de terror como tal. Vamos, que miedo lo justo.

La persona que me la recomendó me dijo que no leyera absolutamente nada del argumento para disfrutarla más, y eso he hecho. También te digo que esta persona no ha venido a vernos a ningún directo y, aun así, le he hecho caso… así que ya puede ir espabilando y empezar a venir.

En fin, del argumento te voy a contar lo mínimo: una cena de Navidad y las cosas se van de madre. Pero se van de madre porque tienen que irse de madre, no porque alguien haya tomado malas decisiones (o sí). El final, siento decírtelo, pero me lo veía venir desde Cuenca. Aun así, se deja ver, sobre todo por las dinámicas entre un grupo de amigos llenos de secretos, miradas raras y silencios incómodos. Una pena que no profundicen más en esto, porque es infinitamente más interesante que todo lo que pasa después.

Eso sí, me entretuvo más que The Running Man… Dios mío, al final la voy a acabar metiendo en la sección de “pelis que no te recomiendo”, y no quiero pero es que me está obligando.
Por cierto, dura solo 90 minutos, lo cual es un milagro en los tiempos que corren. Deberíamos hacer un chupito cada vez que una película baje de las dos horas… aviso: no beberíamos casi nunca.

La tienes en Amazon Prime.
Ah, y antes de irme: aunque no vengas a los directos… feliz cumpleaños, Hierros.

Por cierto. Hemos hecho un libro de curiosidades sobre cine que no puedes perderte. La verdad es que es una pasada. Imágenes a todo color, mogollón de pelis, recomendaciones, secretos del cine y Eddie Murphy, ¿Qué más quieres?.

Happiness (Peli)

¿Cómo nunca había visto esta película? Yo, que me considero un cinéfilo de libro, no tenía ni idea de la existencia de esta maravilla. Todd Solondz, su director, es capaz de construir un argumento a partir de temas tabú como la pederastia, el asesinato y el voyeurismo, utilizando la comedia negra como su principal arma para desarmar al espectador. Sin duda, no me quedo corto al decir que es la mejor comedia negra que he visto, con ese final tan desgarrador de un padre hablando con su hijo… o qué decir de la escena del perro.

La historia gira en torno a una familia cuyos integrantes tienen problemas que no saben —o no quieren— aceptar: un matrimonio a punto de divorciarse, tres hermanas y sus respectivos maridos, novios y amantes ocasionales. Tras una aparente normalidad, todos los personajes ocultan algún secreto, y varios de ellos son especialmente perversos. La película cuenta con giros de guion que juegan con el espectador de un modo muy inteligente y mordaz. La puesta en escena recuerda mucho a The Office, anticipando ese tipo de incomodidad cotidiana basada en silencios incómodos y situaciones que te obligan a mirar la pantalla con una mezcla de risa nerviosa y desasosiego.

Entiendo que haya gente a la que esta película no le guste, pero si el humor negro es lo tuyo, esto es absolute cinema. Solondz analiza al ser humano sin juzgarlo: no perdona a sus personajes, pero tampoco los condena. No ofrece redención ni resuelve la incomodidad que plantea, y ahí reside gran parte de su fuerza. Hoy en día, esta película sería prácticamente imposible de realizar. Voy a seguir muy de cerca a este director, porque no he conocido a nadie capaz de hacer una comedia tan difícil de ver y, al mismo tiempo, tan imposible de olvidar.

Si la quieres ver, la tienes en Youtube gratis.

Blue Lock (Anime)

Menudo empacho me he dado con este anime. Me he visto casi sus dos temporadas en dos semanas. La idea es muy loca, como suele pasar en muchos animes. En Japón, hartos de no pasar de cuartos en el Mundial, deciden crear una especie de battle royale (sin muertes) para conseguir al mejor delantero de la historia.

A priori puede parecer una chorrada, pero no veas cómo engancha ver cómo el protagonista, que no destaca en nada, empieza a darse cuenta de que tendrá que dar mucho más de sí si no quiere quedar eliminado. Las pruebas y los mini torneos que se suceden a lo largo del anime son súper adictivos, hasta el punto de que no quieres terminar un capítulo sin saber cómo acaba todo.

Tiene emoción, competitividad y, por suerte, no se parece en nada a Campeones, algo que se agradece, sobre todo por aquellos partidos eternos que parecían no acabar nunca. Es perfecta para amantes del fútbol que ya están hartos de aburrirse viendo los partidos de su propio equipo.

La puedes ver en Crunchy Roll.

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🎄 Mis 5 Películas Navideñas Favoritas

Fri, 19 Dec 2025 08:16:18 GMT

Por Genís @genisbenavent

Lo prometido es deuda: aquí tienes el especial navideño.

Te voy a ser sincero. Hacer esta lista ha sido una pequeña tortura. Te traigo un Top 5, pero tengo la certeza absoluta de que, si escribiera esto dentro de una hora, la lista sería totalmente diferente. Hay demasiadas opciones y elegir duele.

Para hacerlo más interesante (o difícil), me he puesto una regla de oro: intentar traer recomendaciones de las que nunca haya hablado antes aquí.

Sé que hay títulos sagrados y que la Navidad no sería lo mismo sin ellos. Así que, antes de ir al turrón con las elegidas, hagamos una mención honorífica rápida a esas joyas que se han quedado fuera de la lista oficial, pero que siempre tienen un hueco en mi corazón (y en mi tele):

Desde clásicos románticos como The Holiday o Love Actually, a las obligatorias Vaya Santa Claus y Gremlins. Pasando, por supuesto, por la acción navideña de Arma Letal o Kiss Kiss Bang Bang.

Tampoco me olvido de la magia de Harry Potter y la piedra filosofal o Eduardo Manostijeras, ni del toque gamberro patrio de El día de la bestia. Y sí, para los intensos como yo, también cuenta Eyes Wide Shut.

Solo podía elegir 5 pero puedes anotarte también las anteriores y empacharte a cine navideño.

Y, por supuesto, si te gustan estos contenidos, nos haces un favor compartiendo este post con tus conocidos. Así sabrán qué ver este finde.

Family Man

Una de esas películas navideñas que siempre me encanta revisitar. Jack vive una vida de éxito en Nueva York, es rico, conduce un Ferrari, es presidente de una gran empresa y vive en un piso enorme en el que cada día amanece con una amante exuberante. Sin embargo, su vida habría sido muy diferente si años atrás no se hubiese ido a Londres a estudiar y se hubiese quedado con su novia Kate.
La peli cambia cuando Jack vive esa vida alternativa en la que se quedó con Kate, viven en Nueva Jersey y tienen dos hijos. Y lo que al principio a Jack le parece un infierno, acabará siendo la vida que le llene.

Esta película, para muchos, no será nada del otro mundo, pero conmigo siempre ha conectado. Me divierte, me emociona y empatizo mucho con el personaje y su cambio. El reparto logra hacer que me lo crea, y a pesar de parecer una comedia romántica navideña ñoña, no lo es para nada. Juega con el universo alternativo, con un Nicolas Cage como pez fuera del agua y con una evolución del personaje para convertirse en su mejor versión. Además no tiene un final 100% satisfactorio, lo cuál la hace mucho más real, a pesar de haber sido tan fantasiosa.

Es una especie de Atrapado en el tiempo pero de otra manera. Nunca me canso de verla.

Jungla de cristal

Amo rotundamente a John McClane. Bruce Willis no interpreta a un macho alfa invencible, lleno de músculos, sino a un policía cansado, vulnerable, sangrando, descalzo, que se equivoca y se queja en voz alta. Y eso cambia por completo el cine de acción de los 80. Cada paso que daba este héroe tiene un coste físico y emocional. Cada pelea duele.

John viaja a Los Angeles para ver a su mujer justo el día de Navidad. Todo ocurre en un edificio donde tiene lugar la fiesta de Navidad de la empresa de ella, en el Nakatomi. Y justo ese día, unos terroristas les da por atacar el edificio.

Los malos son malos con traje, elegantes, y Alan Rickman haciendo de Hans Gruber entiende que un buen antagonista no necesita músculo, sino presencia.

Cables, pies descalzos, cinta aislante, policías inútiles y un matrimonio roto flotando por ahí sin ponerse intensito. Es una peli que no te deja respirar en dos horas. Por eso envejece tan bien, porque tiene algo que muchas películas de acción han perdido. Ritmo narrativo. Se toma su tiempo para presentar personajes, para establecer relaciones, para que cuando todo estalle importe quién está en peligro.

Y sí, es una peli de Navidad, porque si sobrevivir a eso no es espíritu navideño, ya me dirás tú qué es.

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Serendipity

Comedia romántica que va sobre la idea de que el destino existe y que hay fuerzas invisibles empujándonos en la dirección correcta aunque nosotros vayamos dando tumbos por la vida. ¿Hay algo más romántico que saber que hagas lo que hagas vas a acabar encontrando a la persona indicada? Joder, el cine hace mucho daño. Pero esta peli es un placer culpable sobre el destino. Y lo hace con una sonrisa, con música navideña, con una Nueva York de postal y con personajes que molan, creen en el destino, dudan y vuelven a creer.

¿Es cursi? Muchísimo. ¿Es previsible? También. Pero Serendipity juega a eso y lo sabe. No pretende ser lo que no es, y eso la hace muy honesta, porque sabe hacerlo bien.

Un padre en apuros

Recuerdo cuando la vi en el cine y creo que la he visto después 100 veces mínimo. Me gusta porque huele a los noventa. Huele a centro comercial en diciembre, a anuncios de juguetes, a tardes de sábado viendo películas en casa y a esa época donde todo era mágico. Esta película consigue a día de hoy trasladarme siempre allí.

Una película excesiva, ruidosa y muy consciente de juega a ser dibujos animados pero con actores de carne y hueso. Es básicamente ver una peli de Looney Toons con Arnold Schwarzenegger intentando encontrar un juguete.

Es una pasada, la verdad. Arnold corriendo por la ciudad más perdido que Marco en el día de la madre. Todo el mundo perdiendo la cabeza por un muñeco absurdo, la Navidad convertida en una especie de guerra civil consumista. Todo es exagerado, pero así se vivía también esa época. Más ruido, más colores, menos ironía. De hecho, recuerdo unas navidades en las que yo quería la Game Boy Color y el juego de Pokémon y mi madre me recordó que encontrar ese regalo fue una odisea similar a la de Chuache en esta peli.

Hay algo muy reconfortante en volver a verla cada año. Yo me sé exactamente cada beat, cada caída, cada grito, cada frase. Es una película que no exige mucha atención pero acompaña y entretiene muchísimo, como pasaba con el cine familiar de entonces. Y aunque cuando llega el desfile todo se vuelve completamente loco, sigues dentro. Porque aceptas el pacto desde el minuto uno. Y esa parte es casi otra película en sí misma, sigue siendo absolutamente genial y un finalazo.

Solo en casa

Si no consideras que esta es una obra maestra, ya te puedes ir de aquí. Esta no es solo una película que funciona. Es una película que ocupará el imaginario colectivo durante décadas.

Esta es la versión de Jungla de Cristal para toda la familia y, realmente, no tiene sentido ninguno si te paras a pensarlo: un niño se queda solo porque toda su familia es imbécil, la policía pasa de todo, y dos ladrones tardan hora y media en entrar a una casa. Pero da igual. Porque cada escena es un espectáculo. Cada trampa es un chiste físico perfecto. Pero lo mejor es Macaulay Culkin teniendo un carisma como no lo ha tenido ningún otro niño en el cine.

Es una peli donde cada plano huele a Navidad. Chris Columbus dirige en modo Spielberg haciendo dupla con un John Williams que se te mete en la piel. Joe Pesci se quema la calva y tú te ríes como si lo vieras por primera vez. Y lo mejor es que funciona igual cada año. La ves, te sabes los diálogos de memoria, te ríes antes de que pasen las cosas, pero nunca te cansas.

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Recomendaciones de la semana

Fri, 12 Dec 2025 08:47:03 GMT

¡Los Goonies cumplen 40 años! Y no se nos ocurre mejor forma de celebrarlo que viéndolos otra vez en pantalla grande, con la increíble Cristina Gallego como invitada de honor. Si estás por Madrid hoy, 12 de diciembre, a las 20:00… ya sabes dónde tienes que estar, ¿no?

Y oye, que para ponértelo fácil: puedes pillar tu entrada directamente pinchando en la imagen.

¿Cuántas veces vas a poder ver este clasicazo en el cine? Ya te digo yo que poquísimas.

Vamos al lío.

¡Ah! Y si te gusta lo que hacemos, recomiéndanos, que no cuesta nada.

Valor sentimental (Peli)

¿Valor Sentimental es la joyaza europea del año que van diciendo por ahí o el típico drama de “gente guapa sufriendo” hecho con bisturí para festivales? Pues mira, la crítica está dividida… y sinceramente, tienen sus motivos.

Trier vuelve con su movida familiar marca de la casa, pero esta vez copiando mucho y muy fuerte al cine de Bergman: un padre director de cine (Stellan Skarsgård en modo “me como la pantalla sin despeinarme”) y sus hijas intentando cerrar heridas del pasado usando, cómo no, el propio cine como terapia. Clasicazo del manual nórdico.

Lo mejor de todo —y aquí no hay debate posible— es el nivel interpretativo. Renate Reinsve, Elle Fanning y compañía están tan descomunales que su mera presencia sostendría la película aunque no fuera buena. De esas actuaciones que dices: “vale, ya entiendo por qué esta gente trabaja tanto”.

Ahora, te suelto mi frikismo personal: la dirección de arte es tan pornográfica que me sacaba de la peli. Es que, de verdad… si estás pensando en reformar tu casa, ni la veas. Te vas a deprimir. Cada lámpara, cada silla, cada rincón… los nórdicos tienen un maldito pacto con IKEA pero en versión premium. Qué asco de buen gusto, coño.

Visualmente es para enmarcar y la banda sonora entra como mantequilla, eso sí.

El problema: a mí la historia, pues… ni fu ni fa. Igual porque tengo buena relación con mi padre o porque se le nota demasiado que va buscando la alfombra roja del próximo festival. A ratos huele a ejercicio de estilo algo frío, como si alguien hubiera dicho: “hazme un drama intenso pero elegante, que esto tiene que ganar premios”.

Mi veredicto:
Si te flipa el cine que habla sobre el propio cine (y el interiorismo de lujo que nunca podrás pagar), te va a entrar suavecito. Si te cansan los dramas psicológicos que parecen diseñados por un algoritmo de festivales, igual se te hace bola.

Pero ojo: solo por ver a ese reparto, la entrada está más que amortizada.

La tienes para ver en tu cine más cercano.

Golden Kamui (Anime)

Al principio da la sensación de que no arranca (un par de capítulos), pero tranquilo: esta historia de búsqueda del oro con personajes absolutamente estrafalarios termina enganchando de lo lindo. La serie sigue a Saichi “El Inmortal” Sugimoto, un veterano de guerra decidido a encontrar un tesoro de oro Ainu perdido, y a Asirpa, una joven cazadora de la misma tribu que se convierte en su aliada. Juntos se meten en todo tipo de líos mientras esquivan enemigos y descubren secretos del pasado.

El dibujo mola un montón, los personajes se quedan en la memoria y la acción está superbien medida. Por si fuera poco, el trasfondo histórico y la cultura ainu le dan un toque que no vas a ver en cualquier serie. Eso sí, el CGI al principio hace aguas y el humor no siempre pega, pero si te molan los seinen que mezclan géneros, personajes rarunos (si no me crees, este vídeo que hice es un buen ejemplo) y aventuras con historia, Golden Kamui es para ti.

La tienes en Crunchyroll.

Funny Games (Peli)

Esta es de las películas más perturbadoras que he visto en mi vida. No llega al nivel de A Serbian Film, pero tampoco lo necesita, porque es mucho más profunda que aquella. De hecho, A Serbian Film va un poco en la línea de lo que Funny Games pone sobre la mesa: cómo consumimos la violencia mediática.

Dos jóvenes educados, de clase media, llegan a la casa de verano de una familia y la someten a juegos sádicos sin motivo aparente. No hay trauma que lo justifique, ni venganza, ni dinero: solo un vacío moral que su director, Michael Haneke, se niega a explicar. La película rompe la cuarta pared, rebobina escenas con un mando a distancia literal y sabotea cualquier catarsis narrativa posible. El resultado es angustiante, pero también brillante. Y si te gustan esas pelis que te dejan con la necesidad de investigar qué demonios acabas de ver, Funny Games es exactamente de ese tipo.

No es una película fácil ni complaciente, pero es esencial para entender cómo se representa la crueldad en el cine contemporáneo. Y te dejo una curiosidad: los actores Susanne Lothar y Ulrich Mühe (al que reconocerás de La vida de los otros) eran pareja en la vida real y ambos murieron muy jóvenes a causa del cáncer. Aunque tiene una versión americana realizada por el mismo director, te recomiendo la versión original de 1997. Es mucho más cruda.

La tienes en Movistar+.

Los fantasmas atacan al jefe (Peli)

Aunque ya te la he recomendado en otra newsletter, lo siento pero la vuelvo a sacar como peli obligatoria para estas navidades. Yo ya me la he visto y sí, he llorado donde siempre…

Si no la has visto —cosa que dudo mucho— te resumo la trama en una frase: es la versión moderna del Cuento de Navidad de Charles Dickens, con el añadido de que la protagoniza Bill Murray. La película es perfecta tanto para quienes odiáis la Navidad como para quienes la amáis. La transición del personaje de Murray ayuda bastante a todos esos enemigos de la Navidad que necesitan un empujoncito.

Te prometo que gracias a esta peli acabarás soportando la Navidad, que ya es decir. Y te dejo una curiosidad que seguro que no sabías: la producción se hizo en pocas semanas y gran parte es pura improvisación. Cuando la veas notarás ese toque teatral, muy Broadway. El rodaje coincidió con las fiestas navideñas, y la Paramount no estaba por la labor de permitir a su equipo coger libre el día de Navidad. Richard Donner, director de la película, indignado ante semejante injusticia, decidió despedir a todo el equipo el 24 de diciembre para volver a contratarlos el 26, y así asegurar que tuvieran ese día libre que merecían.

La tienes en Movistar+.

Rezombi (Libro)

Imagina despertarte y recordar con pelos y señales cómo acabaste con la vida de los que más querías cuando eras un zombi. Pues Aitor Cuende, autor de Rezombi, te mete de lleno en una aventura donde existe una cura para estos seres... pero con un efecto secundario demoledor: recuperan todos los recuerdos de lo que hicieron mientras estaban muertos en vida.

El libro va a toda leche y plantea una historia que, sinceramente, no he visto en ninguna de las adaptaciones audiovisuales del género. Y ojo, que la cosa apunta a trilogía. Hablé con Aitor y me contó que las ventas del primero le ayudarán a cerrar la saga. Desde la Batcueva estamos a muerte con su proyecto, porque menudo enganche he tenido con su lectura.

No hay publi ni historias: simplemente lo he leído, me ha flipado y lo recomiendo, más aún ahora que vienen las navidades y puedes regalárselo a alguien… o regalártelo a ti mismo.

Puedes hacerte con el tuyo aquí mismo.

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Los Goonies: 40 años de la aventura que definió una generación

La Cueva Show — Wed, 10 Dec 2025 17:34:49 GMT

Por Genís @genisbenavent

¿Nuevo en La Batcueva Show? 🎬 Curiosidades del cine y las mejores recomendaciones de películas y series 📩 Suscríbete aquí

Hola, Batcuever,

¿Escuchas eso? Es el sonido de las tuberías golpeando, es el Hey chicos! de Sloth, es Cyndi Lauper sonando en una televisión de tubo.

Lo creas o no, han pasado 40 años desde que Mikey, Bocazas, Gordi y Data encontraron ese mapa en el desván. Cuatro décadas desde que Richard Donner y Steven Spielberg nos enseñaron que, no importa lo mal que pinten las cosas, los Goonies nunca dicen muerto.

Este año es especial. Es el 40 aniversario de una de las cintas más importantes de la cultura pop y en La Batcueva Show no podíamos dejarlo pasar. Hoy desempolvamos el doblón español y repasamos por qué esta película sigue siendo el “Santo Grial” del cine de aventuras juvenil.

📅 Evento especial por el 40 aniversario de Los Goonies

¡Lo prometido es deuda! No podíamos dejar pasar esta fecha redonda sin liar una buena. Si eres de los que soñaba con encontrar el tesoro de Willy el Tuerto, tienes una cita obligatoria con nosotros.

La Batcueva Show toma el centro de Madrid para celebrar que Los Goonies siguen siendo los reyes de la aventura. Y no venimos solos.

¿Qué vamos a hacer?

No se trata solo de ver la película (que también, y en pantalla de cine, como se merece). Antes de la proyección, haremos un coloquio en directo cargado de humor, nostalgia y anécdotas.

Para una ocasión tan especial, contaremos con una invitada de lujo: Cristina Gallego. Con ella analizaremos por qué, 40 años después, esta historia de mapas, trampas y bicicletas sigue conquistándonos.

Apunta las coordenadas del tesoro:

📅 Cuándo: 12 de diciembre de 2025.
🕗 Hora: 20:00h.
📍 Dónde: Palacio de la Prensa (Sala 2), Madrid.

Es una oportunidad única para revivir la película rodeado de gente que la ama tanto como tú. Porque ellos nunca dicen muerto… y nosotros tampoco.

COMPRA AQUÍ TUS ENTRADAS ANTES DE QUE CAIGAN EN UNA TRAMPA

La “Santa Trinidad” del cine de los 80

Para entender el éxito de Los Goonies (1985), hay que mirar quién estaba detrás de todo esto. Fue la tormenta perfecta:

La idea: Del Rey Midas, Steven Spielberg.
El guion: De un joven Chris Columbus (que luego nos regalaría Solo en Casa y Harry Potter).
La dirección: Del maestro Richard Donner (Superman, Arma Letal).

Esa mezcla de oscuridad, humor gamberro y corazón es algo que Hollywood lleva intentando replicar desde entonces (te estamos mirando a ti, Stranger Things), pero la magia original es irrepetible.

5 Curiosidades de ‘Los Goonies’ que (quizás) no sabías

Para celebrar estas 40 primaveras, aquí van algunos secretos del rodaje que te harán querer rebobinar la cinta una vez más:

1. El barco pirata era REAL (y la reacción también)

Nada de pantallas verdes ni CGI cutre. El equipo de producción construyó el barco “El Inferno” a escala real. Richard Donner prohibió a los niños ver el barco durante todo el rodaje.

¿El resultado? Cuando los chicos caen por el tobogán y ven el barco por primera vez, sus caras de asombro son 100% genuinas. De hecho, Josh Brolin (Brand) soltó una palabrota de la impresión y tuvieron que repetir la toma.

2. El pulpo gigante que se comió la sala de montaje

¿Recuerdas que al final de la peli, cuando los rescatan en la playa, Data dice a los periodistas: “El pulpo fue lo peor” Muchos espectadores se quedaron a cuadros: ¿Qué pulpo?

Originalmente, había una escena donde un pulpo gigante atacaba a Stef y Bocazas, pero quedaba tan falso que la eliminaron. La frase de Data, sin embargo, se quedó ahí para confundirnos a todos durante años.

Hice un vídeo sobre esto donde se ve la escena eliminada en cuestión.

3. El mapa con sangre... propia

El diseñador de producción, J. Michael Riva, quería que el mapa pareciera antiguo de verdad. ¿Su solución? Mancharlo con café y, atención, usar su propia sangre para darle ese toque auténtico. Esperemos que estuviera vacunado del tétanos.

4. Sloth: 5 horas de maquillaje y un corazón de la NFL

John Matuszak, el actor que dio vida al adorable Sloth, era en realidad un exjugador profesional de fútbol americano (ganador de dos Super Bowls). Tenía que someterse a 5 horas diarias de maquillaje para deformar su rostro y mover las orejas por control remoto. Debajo de todo ese látex había un tipo enorme con una paciencia infinita.

5. ¿R2-D2 en el barco pirata?

Si pausas la película en el momento justo cuando están en la cubierta del barco, puedes ver una maqueta de R2-D2 escondida entre el atrezzo. Un guiño clásico de los equipos de ILM, que hacían los efectos especiales de Lucasfilm y Spielberg.

El legado continúa

40 años después, Los Goonies sigue funcionando porque habla de algo universal: la amistad incondicional, el miedo a crecer y la aventura de encontrar tu lugar en el mundo (aunque ese lugar sea un restaurante abandonado lleno de trampas).

Si hace mucho que no la ves, este es tu momento. Pilla una barrita Baby Ruth, haz el “supermeneo” y ven a verla con nosotros.

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🦇 Recomendaciones de la semana

Fri, 05 Dec 2025 08:11:30 GMT

Por Genís @genisbenavent

Hola Batcuever,

Diciembre, Navidad… ya tú sabeh…

Quería hacer muchas cosas para Navidad en los canales.

Un calendario de Adviento donde cada día tenga que ver una película (seguro que no lo cumplo)
Un especial navideño hablando de películas de Navidad (ya hemos hecho alguno y no lo vio ni Rudolph)
Ponerme un jersey navideño súper friki en los vídeos (me compré este y pedí una talla XS por error, así que no me cabe)

Así que, de momento, estas no serán recomendaciones navideñas.

¡Llegarán! No te preocupes.

Pero te traigo algunas cositas interesantes que he ido viendo.

¡Ah! Y, por cierto, si estás en Madrid, el próximo día 12 de diciembre celebramos el 40 aniversario de Los Goonies.

Tendremos de invitada a Cristina Gallego, así que la cosa promete, y mucho.

Puedes comprar aquí tus entradas

Y, por supuesto, si te gustan estos contenidos, nos haces un favor compartiendo este post con tus conocidos. Así sabrán qué ver este finde.

Cómo entrenar a tu dragón

Vale, sé que llego siglos tarde y que todo el mundo me va a odiar porque he visto el live-action sin haber visto nunca la original. Me disculpo de antemano y soy un ser despreciable. Puedo contar ya mi opinión?

Me ha encantado y me habría gustado haberla visto, así como todo su universo. Siempre pensé que era una peli que a DreamWorks les salió bien, casi por error, pero me doy cuenta de que es tremendamente bonita, entretenida y maravillosa. Me la vi en plan típica peli que te pones pensando en desconectar y al final estaba enganchadísimo a todo.

Hipo es un chaval que le piden que sea un vikingo pero no sirve para nada. Esa parte me gusta porque no intentan convertirlo en héroe a empujones. Simplemente es él, con sus torpezas y sus ideas raras, y funciona. Tiene otras habilidades y otra forma de sentir el mundo, y justo eso es lo que hará ser el mejor vikingo de todos los tiempos.

El vínculo con el dragón se va cociendo a fuego lento y de una manera muy bien narrada. Dos enemigos, asustados, mirándose sin saber si acercarse o salir corriendo. Y a partir de ahí todo va creciendo a base de pequeños gestos.

En cuanto llegó el primer vuelo y escuché la música, el tema principal, buahhh. Te puedes creer que he escuchado esa música mil veces y no sabía que era de esta peli? Definitivamente llego tarde, pero me alegra haber llegado. Ahora me toca verme toda la saga junto a mis sobrinos.

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El día de la bestia

Es posible que estemos ante una de las mejores películas que ha parido España? Pues claro que sí. La mejor de Álex de la Iglesia? Por supuesto. Cumple 30 años y sigue siendo tan cojonuda como siempre? Sin lugar a dudas.

Esta película la habré visto y gozado decenas de veces y he podido verla en una sala de cine por primera vez, hace algunas semanas y después de años sin verla. Qué maravilla. Las risas en la sala, la música, el terror, Santiago Segura molando más que nadie en el mundo. Def con Dos! Esta película es oro.

Una premisa absurda y original que te hace reír y sufrir. Un trío protagonista que funciona a nivel de química. Un desenlace que te hace dudar pero que lo compras. Álex no es el mejor en los últimos tercios y en este al menos salva la papeleta.

No sé qué más decir. Que si no la has visto ya tardas y que me sabe mal no haber visto otra peli como esta.

Puedes verla en FlixOlé, Movistar+ y HBO Max

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Bajo el sol de la Toscana

La tenía en mi lista hace tiempo y me ha gustado mucho. Es de esas películas que te dejan con buen cuerpo y muy buen sabor de boca. Bastante terapéutica. Parece típica comedia romántica, pero va más de reencontrarse, de reconstruirse y de entender qué quieres hacer con tu vida cuando todo se va a la mierda. Diane Lane está muy bien, muy natural, super creíble. Su personaje quiere enamorarse pero vas descubriendo que antes tiene que encontrarse a sí misma. Eso es lo que hace que esta historia funciona de verdad.

La Toscana, como un personaje más, se muestra sin convertirla en el típico anuncio de viajes, simplemente da gusto estar ahí con ella. Algo muy guay es los secundarios que están muy bien escritos. Tienen ese punto justo para que sientas que forman parte de un pequeño ecosistema que acompaña a la protagonista. Cada uno aporta algo, aunque sea pequeño, y suman ese micro universo cálido que hace avanzar la historia.

En conjunto es una feel good movie de las que sí funcionan. Te recuerda que nunca es tarde para empezar de nuevo y que la familia, muchas veces, no necesariamente tiene que ser un lazo de sangre.

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Batman: La máscara del fantasma

No la había visto nunca y me ha parecido una versión de origen con historia romántica de lo más interesante. Te muestra a un Bruce Wayne que podría haber tenido una vida normal y cómo la pierde. Además el golpe es duro, bien llevado y muy real.

La historia mezcla origen a modo flashback con una trama en el presente. Un villano aparece a la vez que un antiguo amor de Bruce, esto le conecta con sus inicios como Batman y el momento en que quiso dejarlo todo por amor. En esa relación entiendes a Bruce, sus dudas y por qué, cuando decide seguir el camino del murciélago, ya no hay vuelta atrás.

Es una historia de Batman más psicológica que épica. Batman es un hombre que eligió perder una parte de sí mismo para convertirse en un símbolo.

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Y por supuesto, vamos ahora con…

La Peli que te ahorro ver

Sacramento

No hay nada que funcione. Ni el tono, ni el ritmo, ni los personajes. Intenta ser una peli sobre la amistad y las segundas oportunidades, pero se queda en postureo barato.

Michael Cera está atrapado en un papel que no lleva a ninguna parte. Michael Angarano actúa y dirige, pero no sé en qué va más perdido. Y Kristen Stewart, su personaje no aporta nada, no te lo crees, sale poco y sin ninguna finalidad. Está en la película para llenar el póster.

La película se cree sensible, pero es plana. Se cree divertida, pero no tiene ni un momento que te saque una sonrisa. Y lo peor es que da la sensación de que todos los implicados están ahí por saldar alguna deuda con alguien.

Me ha parecido la versión de AliExpress de A real pain. Mira que aquella no me gustó, pero es que esta es aún peor.

La tienes en alquiler, así que no cometas mi mismo error, ahórrate esos eurillos.

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Recomendaciones de la semana

Fri, 28 Nov 2025 07:10:32 GMT

Se viene nuevo directo en Madrid con una peli que cumple ya 40 añazos y que teníamos unas ganas locas de traer. Sí, has acertado: los ~~putos~~ Goonies.

Será la única proyección que se haga en Madrid (que nosotros sepamos) y, encima, contaremos con la increíble Cristina Gallego de El Intermedio como invitada de honor. Vamos, que si estás por Madrid el próximo 12 de diciembre a las 20:00, tienes que venirte, ¿no?

Y oye, que para ponértelo fácil: puedes pillar tu entrada directamente pinchando en la imagen.

¿Cuántas veces vas a poder ver este clasicazo en pantalla grande? Ya te digo yo que poquísimas.

Vamos al lío.

¡Ah! Y si te gusta lo que hacemos, recomiéndanos, que no cuesta nada.

Nuremberg (Peli)

Nada que ver con la versión en formato miniserie del 2000 y que estaba protagonizada por Alec Baldwin. Esta nueva versión está basada en el libro de “El nazi y el psiquiatra“ de Jack El-Hai. Tras el fin de la II Guerra Mundial, con ocasión de los juicios de Nuremberg de los Aliados contra el derrotado régimen nazi, el psiquiatra estadounidense Douglas Kelley (Rami Malek), encargado de determinar si los prisioneros oficiales nazis son aptos para ser juzgados por sus crímenes de guerra, se ve inmerso en una compleja batalla de ingenio con Hermann Göring (Crowe), mano derecha de Hitler.

Te lo digo sin rodeos: vete al cine, porque es muy entretenida y las dos horas y media se pasan volando. Pero no es solo eso: las interpretaciones son una pasada. Hacía tiempo que no veía a Russell Crowe tan metido en un personaje. Se le echaba de menos, sobre todo después de alguna de las joyitas que ha hecho últimamente (sí, te miro a ti, El Exorcista del Papa).

Y luego está un siempre acertado Rami Malek, aunque también te digo que por momentos me ha recordado un poco a su etapa de Mr. Robot.

En fin: ritmo rápido, diálogos que escuecen y un soplo de aire fresco dentro del manidísimo cine sobre el Holocausto. Eso sí, el mensaje final está muy bien encajado: lanza una pulla evidente hacia la situación actual en Israel, subrayando cómo incluso un Estado nacido del trauma puede acabar repitiendo dinámicas opresivas si nadie se atreve a cuestionarlo.

La tienes para ver en tu cine más cercano.

Un profeta (Peli)

Si nunca has visto esta película, te envidio. Es una mezcla perfecta entre El padrino, Scarface y The Wire, y estuvo a punto de ganar el Oscar a mejor película extranjera. Ese año competía contra La cinta blanca de Haneke y El secreto de sus ojos de Campanella. Perdió contra esta última, y me costaría mucho defender que no fuera una victoria justa.

Tahar Rahim (que ya me dejó sin palabras haciendo de yonqui en Alpha) interpreta a un presidiario francés de origen árabe al que le han caído 6 años de cárcel y que tendrá que hacerse valer allí gracias a su ingenio y carisma.

La manera en la que se presenta esta historia, sin adornos ni manierismos, ofrece una visión muy real de lo que podría ser una peli de género criminal con tintes de drama carcelario, pero que aun así te deja un sabor de boca tan bueno que no quieres que termine nunca. Es hipnosis pura. Su director, Jacques Audiard, nos regala una nueva forma de entender las películas de mafiosos sin caer en el histrionismo.

La tienes en Movistar+.

Maxxxine (Peli)

La tercera peli de la trilogía de Ti West llega con la misma chispa que la primera —sí, esa X que en realidad es la segunda película en la trilogía aunque fuera la primera en estrenarse. En Maxxxine seguimos a Maxine Minx intentando rehacer su vida después del caos de X. Y, madre mía, escribir esto sin que parezca un trabalenguas es casi tan difícil como sobrevivir al asesino en serie de la película.

Estamos en el Hollywood de los 80: neones, humo, música pegajosa y una Maxine más segura de sí misma que nunca. Por fin la han elegido para un papel en una peli de terror “de verdad”, lo que podría ser su billete para dejar atrás el cine adulto. Peeero, claro, la vida no se lo pone fácil: hay un asesino en serie suelto sembrando el pánico y, sospechosamente, parece haberle echado el ojo a ella.

El reparto ayuda muchísimo: Kevin Bacon está espectacular, Michelle Monaghan cumple de sobra y Elizabeth Debicki siempre eleva todo en lo que sale. La película se ve sola, te engancha rápido y, aunque el final tiene su pequeña trampa, sinceramente… me da igual. Entre el vibe ochentero, el ritmo y volver a ver a Maxine peleándose con la vida, yo firmo otra más encantado.

No pido más. Bueno, sí: que hagan otra. Porque esta trilogía, al menos para mí, es divertidísima.

La tienes en Movistar+ y SkyShowtime.

Knight of cups (Peli)

Knight of Cups más que una película es un ensayo firmado por Terrence Malick. Y ya te aviso: si decides entrar en su juego, narrativamente es flojita… pero visualmente, madre mía, visualmente es un escándalo. Hay quien dice que es el mejor trabajo de su director de fotografía, Emmanuel Lubezki —sí, el mismo de El Renacido, Hijos de los hombres o Birdman— y oye, no sé si es “el mejor”, pero que gran parte esté rodada con GoPros y aun así se vea así de bien… eso es magia. Ya conozco yo a más de uno que odia estas cámaras y que, si viera esta peli, se quedaría más callado que un mudo en un concurso de monólogos.

La trama va de un escritor (Christian Bale) intentando rellenar un vacío emocional encadenando relaciones con distintas mujeres. Vamos, que parece un argumento rescatado de los 60. Un pelín rancio, sí. Bale apenas dice tres frases en toda la película; casi todo llega por voz en off, pero aún así hace una interpretación firme y coherente. El problema es que los secundarios son prácticamente figurantes de lujo. Lo de Banderas e Imogen Poots es especialmente cantoso. Eso sí: Brian Dennehy —el que puteaba a Rambo en Acorralado— tiene algo más de presencia.

Lo curioso es que El árbol de la vida me parece un coñazo monumental… pero esta la he disfrutado bastante, pese a lo pobre que es a nivel narrativo. En fin: si te va el cine contemplativo rollo Alcarràs, esta te va a entrar sola (y además se hace menos pesada que la de Carla Simón). Si este tipo de cine no es lo tuyo, al menos échale un ojo al tráiler: resume muy bien lo que te vas a encontrar y la banda sonora acompaña tan bien las imágenes que te lo puedes ver un par de veces sin despeinarte.

La tienes en Prime Video y Filmin.

La Suerte: Una serie de casualidades (Serie)

Me la puse como simple entretenimiento… y ya llevo tres episodios de los seis que tiene la temporada. Lo último de Paco Plaza, premiado como Mejor Serie de Comedia en el pasado FICAL (Festival de Cine de Almería), cuenta la historia de un taxista que, por casualidad —o por desgracia, según se mire—, se cruza con una figura del toreo conocida como El Maestro. A partir de ahí acabará a sus órdenes, porque el torero está convencido de que le da suerte.

Es divertida, va a toda pastilla y tiene un tono que solo busca que lo pases bien. Si después del primer capítulo no te quedas enganchado, sería raro, porque es un desfile constante de situaciones absurdas. Tiene mucho de esa comedia de enredo clásica que dominaba Billy Wilder, salvando las distancias, claro.

En resumen: comedia costumbrista, con interpretaciones que van in crescendo y que además encuentra su espacio para soltar una pullita antitaurina. No es perfecta, pero tampoco necesita serlo para entretener.

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🦇 Recomendaciones de la semana

Fri, 21 Nov 2025 09:30:57 GMT

Por Genís @genisbenavent

Hola Batcuever,

¡He vuelto a las series!

Si me sigues habitualmente, sabrás que ya no suelo ver series, o que casi nunca suelo pasar del tercer episodio. Esto se sigue cumpliendo, de momento.

El porqué de no ver series tiene dos motivos.

El primer motivo es que para 2025 me puse tres retos:

Hacer deporte.
Ir al menos una vez a la semana al cine.
Escribir una reseña en Letterboxd de todo lo que vea.

Lo mejor de todo es… ¡que lo estoy cumpliendo!

¿Por qué esto es un motivo? Porque estoy focus en las pelis y las reseñas y en Letterboxd no hay series? Así que todo lo que consumo es cine, cine y más cine.

El segundo motivo es que todas me aburren. La ley del tercer episodio se cumple siempre. Yo les doy la oportunidad de que me enganchen como un yonqui en esos tres episodios. Pero, si no lo han conseguido, adiós.

Es más, se está cumpliendo porque, de estas que te recomiendo, he visto solo tres.

¿Veré más allá del tercer episodio?

Mmmmmmmm, pues… puede ser. Están bastante bien.

Te cuento lo que he estado viendo yo y que quizás algo te mole.

¡También hay películas! A ver si te crees que ahora solo veo series…

Y, por supuesto, si te gustan estos contenidos, nos haces un favor compartiendo este post con tus conocidos. Así sabrán qué ver este finde.

Pluribus (Serie)

La empecé por inercia. Básicamente porque Vince Gilligan venía de Better Call Saul y Breaking Bad y pensé: apuesta segura. Me mola que haya hecho una cosa totalmente diferente a lo que ya nos tenía acostumbrados.

La serie arranca con una premisa muy sencilla pero incómoda: toda la humanidad ha alcanzado la “paz mental total”… menos una persona. Todo el mundo feliz, sincronizado, calmado, y ella, con cara de “¿soy yo la loca?”. Pues claro que eres tú. Pero es que igual también eres la única cuerda.

La serie no lo presenta como un apocalipsis ni como una distopía de ciencia ficción al uso. Bebe mucho de los ladrones de cuerpos y tal pero, a su vez, se distancia y es todo lo contrario. El mundo sonríe, canta, coopera, y eso es lo que te pone nervioso. Porque en ese entorno tan blanco, donde el libre albedrío no existe, pero todo es perfecto sin eso, todo empieza a dar mal rollo.

Rhea Seehorn está espectacular. Lleva todo el peso en sus hombros y vas con su personaje a tope, tanto en sus buenas decisiones como en las malas.

Si que me da la sensación de que todo va muy lento, pero no por falta de historia, sino porque quieren que estés incómodo. Y eso se nota. Es de esas series que no te regalan nada. No hay respuestas claras. Solo tensión y más tensión.

Me he visto tres episodios y creo que seguiré. Porque tiene algo. Porque me genera mucha curiosidad cómo se va a sostener esta premisa durante una serie entera. Supongo que en la mente de Gilligan hay una idea poderosa detrás

La tienes en PrimeVideo (creo que solo el primero), AppleTv y Movistar+

Weapons (Película)

No vi ningún tráiler ni leí la sinopsis, aunque es verdad que me llegó eso de “la película más terrorífica del año”. Muchos de los que la vieron se quedaron decepcionados porque no cumplía con esa expectativa de puro marketing. Obvio. ¿No os habéis dado cuenta de que eso lo dicen con cada nueva peli que sale? Joder, parecéis nuevos.

La película es un thriller, con tintes de terror (así sí), que se basa en la investigación de la misteriosa desaparición de un grupo de niños. Poco a poco se va transformando en una especie de fábula sobre el trauma, la culpa y lo que pasa cuando te callas durante demasiado tiempo. No me extraña que joda expectativas. Todo el rato te hace dudar de si estás viendo una peli de terror, una sátira o un drama disfrazado de Expediente X. Y lo mejor es que no te da respuestas claras. Ni falta que hace.

Lo bueno es cómo está estructurada la narrativa. Cómo vamos saltando de un personaje a otro, de una historia a otra, y cómo nos va adentrando en el misterio para luego cortar justo cuando ya nos tiene enganchados en esa secuencia.

Los actores están genial y las dosis de humor negro están muy bien metidas. A destacar que la tía Gladys ya es uno de los personajes más icónicos del año. Y eso sí es una afirmación con fundamento.

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Code 3 (Película)

Me esperaba una comedia chorra de ambulancias y chistes fáciles y me he encontrado una grata sorpresa. Rainn Wilson es un tío cansado de la vida, de su curro y de la gente, está reventado por dentro intentando sobrevivir a un último turno. Le acompaña un compañero que funciona como alivio cómico pero sin caer en el típico negro graciosete estereotipado. También llevan a una novata que intenta demostrar que vale algo mientras él solo quiere pirarse de ese curro de una vez. Cinco años dice que suelen aguantar, él lleva 18.

La película no es nada del otro mundo, no inventa nada nuevo, pero es capaz de hacer que todo lo que pasa dentro de esa ambulancia parezca terriblemente verosímil. Notas de primera mano que es un trabajo ingrato, agotador y caótico. Lo mejor es que cuando se vuelve oscura te da una hostia bien dada para saber volver luego a la tragicomedia pura.

El último samurái en pie (Serie)

Entra de cabeza en esa fórmula que ahora parece ser la “biblia” de Netflix: pruebas a vida o muerte, gente encerrada en un sistema absurdo, sangre, traiciones, y todos mirando a ver quién cae el último. Vamos, lo que Netflix lleva exprimiendo desde El juego del calamar.

La diferencia es que aquí, tienes el Japón feudal en la época final de los samuráis. Guerreros con código de honor, mercenarios y gente de a pie que pelean por un premio que ni entienden. Y eso, quieras o no, le da otra capa.

A nivel visual es una pasada. Las coreografías son brutales, el diseño de producción, la fotografía... Pero también tiene lo de siempre: personaje que promete y luego desaparece, ritmo que se desinfla porque hay que alargar hasta el cliffhanger del final del episodio, y ese tufillo a “sobredramatizar” todo que tienen los japos en los animes.

Aun así, me está molando bastante porque tiene intención, porque el protagonista mola mucho, y porque aunque no inventa nada, tampoco lo necesita. Funciona y ya está.

La tienes en Netflix

Predator: Badlands (Película)

Sigo con la sensación de que me la han colado para bien. Pensaba que sería un Predator con un androide paseando por un planeta chunguísimo, modo supervivencia y poco más. Pero no. Me ha gustado mucho. Este director ya venía de Prey, ya venía de Killer of Killers, y se nota que entiende el universo y que sabe lo que quiere contar. Aquí trabaja en acción real otra vez y le sale mejor todavía que en Prey. Está haciendo lo que le da la gana, pero siempre es fresco y novedoso. Chapó.

La idea de que el protagonista sea un Predator parecía muy arriesgado. Encima intentar que empatices, hacerlo casi atractivo, cuando son más feos que una nevera por detrás. Vi los primeros 20 minutos en la San Diego Comic Con Málaga y pensé vale, esto es arriesgado, puede salir muy bien o muy mal. Pero funciona genial. Supongo que porque no es el Predator típico enorme y perfecto. Es el pringado del clan. Más bajito, sin presencia, el que nadie respeta. Para su familia es casi un despojo. Justo eso es lo que te conecta, ver cómo este pobre desgraciado cae en un planeta donde absolutamente todo lo quiere matar: plantas, rocas, bichos... todo. Y cada vez que se adapta a algo, le cae otra situación peor encima. Ahí es donde la peli crece, porque vas viendo cómo aprende, cómo se endurece y cómo va encontrando su sitio en ese infierno y aprende a usarlo en su favor.

El tema del androide también está muy bien metido. Elle Fanning desborda un carisma tremendo. Ella es un androide de la empresa cabrona del universo Alien, la Weyland-Yutani. No hace falta explicarlo mucho. Esa compañía malvada está ahí porque hacía falta un villano, funciona y no molesta. La relación entre el Predator y la robot mola porque ninguno está donde debería estar. Él quiere un trofeo para que su clan deje de verlo como la vergüenza del grupo, el robot tiene su misión y al final hacen piña porque no les queda otra.

Me ha sorprendido lo mucho que conectas con los personajes sin necesidad de diálogos. Todo va por gestos, decisiones, pequeñas reacciones. Hasta el bichito ese tipo mascota, que podría haber sido un pegote Disney, acaba teniendo gracia. Y sí, te acabas emocionando con un Predator feo de cojones, pero funciona. Es una película aparentemente simple pero con mucho mimo en los detalles y en el arco de los personajes.

Y lo mejor es que la peli escala mucho más de lo que pensaba. Al principio es peli de supervivencia pero de repente entra la misión de la corporación, un lío de robar especímenes, todo el tramo final donde cada personaje tiene algo que aportar.

Salí con la sensación de que Badlands sabe exactamente qué quiere ser. Va a lo que funciona y lo hace muy bien.

La tienes en tu cine habitual

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Recomendaciones de la semana

Fri, 14 Nov 2025 10:53:39 GMT

Venga, viajemos a 1968, ese año glorioso en el que Clint Eastwood decidió que disparar no era suficiente y que también quería cantar y bailar. Sí, el tipo que acababa de petarlo como el “Hombre sin nombre” en la trilogía del dólar se metió en La leyenda de la ciudad sin nombre, un musical western. Yo me imagino a Sergio Leone viendo eso y pensando: “¿Pero qué necesidad había, Clint?”.

Total, que Eastwood estaba en la cima, casado con Margaret Neville Johnson, pero con más frentes abiertos que una serie de Netflix. Tenían “matrimonio abierto”, que en su caso venía a significar: Margaret sabía que Clint hacía lo que quería… y no siempre le hacía gracia, pero sobrevivía como podía.

En ese contexto entra en escena Jean Seberg, la coprotagonista. Eastwood ya tenía dos amantes activas cuando llegó al rodaje, pero claro, aparece Seberg, a la que ves y dices: “Aquí se viene tormenta”. Y vaya si la hubo. Se liaron, cómo no, y ella cayó enamorada hasta las trancas. Él… bueno, él cayó sobre ella, que no es lo mismo.

Problema: Jean estaba casada con el escritor y diplomático francés Romain Gary. Y Gary, a diferencia de Margaret, no llevaba bien lo de que su mujer se estuviera enamorando del vaquero más famoso del planeta. Tanto, que Gary llegó a retar a Clint a un duelo a muerte. Ojalá imágenes de eso. Lamentablemente —o afortunadamente, depende del karma que manejes— nunca llegó a ocurrir.

La historia la recuperó Karina Longworth en su podcast You Must Remember This, contando que Gary se fue, Seberg llamó a su publicista llorando amor por Clint y pidiendo ayuda para anunciar su divorcio… y mientras tanto Eastwood estaba ya pensando en otra cosa. Literalmente. Acabó el rodaje y puf, desapareció. Como si Jean hubiera sido un extra sin frase.

David Richards, biógrafo de Seberg, lo resume perfecto: “Volvieron a Paramount y Clint actuaba como si no supiera quién era”. A ella aquello la destrozó. Era frágil, estaba enamorada, y él la trató con una frialdad de villano del western. Y con eso empezó un efecto dominó trágico: un año después del suicidio de Seberg, Gary se quitó la vida de un disparo.

Clint… siguió a lo suyo.

Así que sí: cuando hablamos de las sombras del Hollywood dorado, pocas proyectan tan lejos como esta.

Vamos al lío.

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Siempre es invierno (Peli)

Si eres de los que le gustó la película 500 días con ella, Siempre es invierno, de David Trueba, vendría a ser su versión melancólica y dura.

Esta película, adaptación de su novela Blitz, explora lo que sucede cuando una vida que creías controlada se desmorona de golpe. El protagonista, Miguel (interpretado por David Verdaguer) —arquitecto paisajista— viaja a Lieja (Bélgica) con su pareja (Amaia Salamanca) para un congreso y, de repente, su relación se rompe. Decide quedarse unos días más en la ciudad para ordenar su cabeza, y allí conoce a Olga (Isabelle Renauld), una mujer mayor que él, que trabaja como voluntaria en ese congreso. A partir de ese encuentro empieza un proceso de reconstrucción emocional y profesional para Miguel.

Trueba ya había dicho que uno de los ejes de la cinta es “el perceptible paso del tiempo sobre las personas”. Y en ese sentido, lo que parece un drama romántico más se convierte en un retrato íntimo del duelo afectivo, la soledad y la posibilidad de reinicio.

Visualmente y narrativamente no busca el golpe fácil. El escenario frío de Lieja, la ruptura abrupta, la diferencia de edad con la nueva relación planteada… todo contribuye a esa sensación de “invierno” metafórico en el que se mueve Miguel.

¿Dónde falla? Puede que el ritmo sea más lento de lo que a público de “drama comercial” le guste y que la diferencia de edades —tema central— genere choque o recelo.

También te digo: para que David Trueba hiciera algo tan alegre como 500 días juntos y no esta depresión con banda sonora, igual Ariadna Gil no tenía que haberse fugado con Viggo Mortensen.

Porque claro… después de Aragorn, ¿quién levanta cabeza?

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Los Domingos (Peli)

Si te gusta el cine que se siente cercano y te remueve por dentro, Los domingos de Alauda Ruiz de Azúa es de esas películas que tienes que ver.

La peli gira en torno a Ainara, una chica de 17 años que comunica a su familia que quiere ingresar en un convento de clausura: esa decisión aparentemente personal desata tensiones familiares, silencios cargados y debates morales que la película explora sin postureo. Ese conflicto doméstico es el motor de todo.

La responsable de que esto funcione es, en gran parte, el casting. Blanca Soroa es Ainara y sostendrá muchas de las dudas y cargas de la peli; a su lado están nombres tan fiables como Patricia López Arnáiz y Miguel Garcés, que le dan al conjunto peso y textura.

Estéticamente, Alauda apuesta por una puesta en escena sobria: planos que dejan respirar a los personajes, diálogos contenidos y una atmósfera que se queda pegada una vez sales de la sala. No es ruido emocional; es precisión. Eso hace que el debate sobre la fe, la autonomía y la familia llegue con más fuerza.

¿Por qué verla? Porque parte de algo pequeño, una decisión personal, y acaba rompiendo a toda una familia. Te obliga a posicionarte, aunque no quieras. Si te van los dramas que no te lo ponen fácil ni te dicen quién tiene razón, esta peli te va a dejar pensando… y con un buen tema para debatir en la cena de Navidad.

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Chad Powers (Serie)

Si mezclas Ted Lasso con Señora Doubtfire… pero en el mundo del fútbol americano universitario, sale Chad Powers, la nueva serie de Glenn Powell en Disney+. Y sí, es tan rara como suena.

La historia arranca con Russ Holliday, exestrella caída en desgracia que lo perdió todo por ser un imbécil. Su plan más lógico: cambiarse la cara —literalmente— y reinventarse como “Chad Powers”. Peluca rubia, dientes falsos, nariz postiza… y un objetivo claro: colarse en un equipo universitario fingiendo ser otra persona. Con la ayuda de Danny (Frankie Rodríguez), intentará mantener la farsa: engañar a su equipo, su entrenadora —con la típica tensión romántica— y hasta la afición que le vitorea.

Lo mejor es que todo esto viene de algo real: en 2022, Eli Manning se disfrazó de jugador random para un sketch viral de ESPN y alguien pensó: “esto da para serie”. Disney+ dijo que sí, y aquí estamos.

El tono es un cóctel de humor incómodo, situaciones absurdas y una pregunta que se te queda pegada: ¿hasta dónde llegaría alguien por redimirse? Piensa en Tootsie, filtra el optimismo de Ted Lasso y añade un toque de Breaking Bad, donde cada mentira exige otra más grande.

Visualmente la serie está muy bien: estadios reales, asesoría de los Manning y una caracterización que convierte a Powell de galán a pringado adorable sin que lo reconozca ni su madre. La crítica está dividida —para algunos es el “Ted Lasso cínico” que nadie pidió, para otros una joya del humor incómodo—, pero el público ya la ha puesto en el top 3 de Disney+ y pide segunda temporada.

Si te mola el humor raro, los disfraces imposibles y las historias de redención a base de mentiras, Chad Powers es de lo más absurdo y divertido del año.

La tienes en Disney+.

El dossier Maldoror (Peli)

¿Qué pasa si juntas Asesinato en 8mm con Seven? Maldoror es la respuesta. Basada en el caso real de Marc Dutroux, el infame criminal que raptó, violó y mató a cuatro niñas, la película nos presenta a Paul Chartier, interpretado por un sobresaliente Anthony Bajon. No se pronuncia como estás pensando. Es un apellido belga. Sería algo como ‘Baxon’.

Bajon, conocido por su estilo interpretativo naturalista, se luce al combinar su intensidad juvenil (solo tiene 30 años) con una vulnerabilidad cruda, sin caer en exageraciones. Hay un plano de sus ojos, mirando un VHS de algo muy turbio, que te queda grabado en la retina.

La trama sigue a Chartier obsesionado por salvar a las niñas y hacer justicia en un entorno opresivo. El estilo Fincher se hace notar, manteniéndote en tensión durante gran parte de la película, mientras que la fotografía saturada aporta la oscuridad perfecta que necesita.

Fabrice Du Welch (director) a veces se pierde tratando de describir el contexto de los personajes, algo que muchas veces no es necesario. Él mismo admitió en Sitges, que se centró en qué haría un hombre honrado en una sociedad sin justicia.

La película dura 3 horas, pero le sobran 40 minutos (por lo de no sintetizar a los personajes). La escena de la boda, por ejemplo, no aporta nada. Pero el último tercio es otra historia: ahí es cuando todo empieza a torcerse y los actores se lucen de verdad.

Sergi López, como siempre, clava el papel de villano. Su toque de cinismo y elocuencia es una auténtica maravilla, creando un personaje lleno de matices con apenas 3 o 4 frases en toda la película. Su presencia es hipnótica.

Y no puedo olvidar la banda sonora. No es de esas te grita en la cara, sino que se filtra bajo tu piel, haciéndola aún más efectiva. No busca protagonismo, sino reforzar el ambiente y las emociones. El silbido que suena de vez en cuando se te quedará pegado en la mente. Te aviso.

La tienes en Movistar+.

La peli que no te recomendamos

Los 4 fantásticos: Primeros pasos

Si alguna vez te has preguntado si una película de superhéroes puede ser aburrida… Los 4 Fantásticos te da la respuesta en bandeja. Me sorprende que en Filmaffinity le hayan puesto un 6,2. ¿En serio? ¿Esta película está al nivel de Wolverine y Lobezno? Una de dos: o los votos estaban comprados o yo ya estoy viejo para estas películas.

Me gustaría inclinarme por lo segundo, pero luego recuerdo escenas como la de La Cosa con barba, con menos gracia que Paz Padilla en su última película (no haré reseña, pero no os la recomiendo) o un Johnny Storm políticamente correcto que, aunque está interpretado por Joseph Quinn, no logra sacarte ni una sonrisa.

Y, por supuesto, no puedo olvidarme de Pedro Pascal, interpretándose a sí mismo en cualquier cosa que haga. Aquí, si cierro los ojos y solo escucho su voz lastimera, podría jurar que estoy viendo al Joel de The Last of Us… o al malo de Gladiator 2 con un toque nerd.

En serio, para mí es una peli planísima que engaña a sus fans: te hace creer que estás viendo la mejor película de los 4 Fantásticos… con menos química que un vaso de agua de mar en un concurso de ciencias.

¿Algo bueno? Sí, Galactus está bastante bien planteado y la manera de intentar pararlo funciona, y Silver Surfer tampoco está mal. Pero es tan aburrida y predecible que, sinceramente, te ahorrarías un par de horas si ves cualquier otra peli que te recomendamos esta semana.

Si aún así decides ir a lo loco… la tienes en Disney+.

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🦇 Recomendaciones de la semana

Fri, 07 Nov 2025 15:58:21 GMT

Por Genís @genisbenavent

Hola Batcuever,

Ya no recuerdo la última vez que traje una serie por aquí.

Últimamente todo lo que veo son películas, y cada vez me cuesta más sentarme a ver una serie y, sobre todo, continuarla.

Tengo mil pendientes, cien que quiero revisitar y millones que dejé en el primer episodio porque se me hicieron cuesta arriba.

Esta semana te traigo una que me ha encantado, pero además, varias películas: algunas de antaño, otras de estreno y, por supuesto, una que no te recomiendo y que seguro levantará ampollas a más de uno.

Vamos allá.

Y, por supuesto, si te gustan estos contenidos, nos haces un favor compartiendo este post con tus conocidos. Así sabrán qué ver este finde.

Entrepreneurs (serie)

“¿Sabes quién no tenía mesa? La persona que inventó la mesa.”
Y con eso ya te resume el mundo entero de Entrepreneurs. Ese universo donde lo importante no es tener ideas, sino decir frases como si las tuvieras.

Esta serie es lo más parecido que ha hecho España a The Office, pero cambiando la Dunder Mifflin de Scranton por un coworking de Chamberí lleno de falsos gurús, creativos sin clientes y emprendedores que emprenden su marca personal. Aquí nadie trabaja, pero todos están muy ocupados. Están “liderando”. Están “escalando”. Están “rompiéndola”.

Lo mejor es que no fuerza la comedia. Va de dejar hablar a personajes y confiar en que se hundan ellos mismos en la vergüenza ajena. Y vaya si se hunden. Es ridícula, incómoda y tremendamente divertida. Todos hemos escuchado algo así en un evento de networking, en un podcast de desarrollo personal o en la bio de alguien que ahora es CEO de sí mismo.

La serie es incómoda porque no se ríe de los demás: se ríe de nosotros. De nuestra necesidad de buscar el éxito y la aprobación, de creernos especiales por madrugar, haver burpees y leer a Josef Ajram. Y tú te ríes., pero por dentro estás pensando en borrar tu último post de LinkedIn.

Álex de la Iglesia y los chicos de Pantomima, gracias por esta comedia.

La puedes ver en Disney+

Frankenstein

Guillermo del Toro adapta por fin la novela Frankenstein a la gran pantalla. Uno de sus proyectos soñados y que tanto tiempo lleva intentando llevar a cabo. Lo intentó hacer durante décadas, incluso se planteó a Benedict Cumberbatch (que ya lo interpretó en teatro), pero por unas cosas y otras, nunca ocurría. Finalmente, tras el enorme éxito de Pinocchio, Netflix le dio luz verde y aquí tenemos la mejor adaptación, para mi gusto, que nos ha regalado el cine.

Una fábula gótica sobre la creación, la relación padre-hijo y sobre la identidad. Han tenido que pasar muchos años, que la verdad le han venido bien a del Toro, para rodearse de gente con muchísimo talento, crecer como director y poder traernos esta maravilla.

No es una película de terror, es una historia totalmente emocional. No busca asustar, sino conmover. Y lo consigue. Este monstruo no da miedo, muestra una humanidad y un corazón puro. Es una criatura bella, rota y llena de inocencia. Jacob Elordi está increíble: tiene algo hipnótico, una mezcla de agresividad y fragilidad que hace que te olvides de cualquier versión anterior. El maquillaje es completamente artesanal. Diez horas al día pasaba poniéndose todo. Se nota el amor por la artesanía y el rechazo absoluto al CGI: todo respira textura, materia, realidad.

Oscar Isaac también está genial como Víctor Frankenstein. Más que un científico loco, es un artista obsesionado con su obra, un creador que juega a ser Dios sin entender las consecuencias. Del Toro lo muestra casi como si fuera una ópera. El “vals” del laboratorio, ese momento en el que da vida a la criatura, es probablemente una de las escenas más bonitas que ha rodado nunca.

Mola mucho cómo muestra la idea de que todos somos creación de otros y que hay algo de divino y monstruoso en ser padre, en ser hijo, en ser creador. Guillermo del Toro siempre ha creado monstruos como un espejo del alma humana, y aquí lo lleva al extremo.

Visualmente es una gozada, como siempre. Los decorados, el vestuario, la iluminación… todo está hecho con una precisión enfermiza. Y al mismo tiempo, es una película que te rompe por dentro. El final, sin entrar en spoilers, es dolor, belleza y redención.

Una obra hecha con el corazón. Y sí, creo que por fin ha rodado su película definitiva.

Puedes verla en Netflix

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Una casa llena de dinamita

Kathryn Bigelow siempre me mola, y me alegra verla en otra peli que te revuelve por dentro. No esperes entretenimiento puro y duro. Es una crítica, es terror real y es muy incómoda. Te deja viendo cómo el mundo se desmorona, pero nadie pierde la compostura. Americanada? Sí lo es.

La historia va sobre el lanzamiento de un misil hacia Estados Unidos. No se sabe de dónde viene ni si es un error, pero el simple hecho de que “podría ser real” basta para desatar el pánico silencioso. A partir de ahí, Bigelow construye un relato escalofriante, frío, pero tan real que acojona. No hay villanos, ni discursos épicos de ministros, ni presidentes que saben pilotar un caza o se llaman “M.Rajoy”. Solo protocolos, pantallas, trayectorias y personas que tienen que hacer su curro y seguir órdenes sin entender qué está pasando.

La puesta en escena es más fría que el abrazo de una suegra. La cámara se mueve para dar sensación de documental, de realidad. Rebecca Ferguson está genial (como siempre), pasando de la duda al miedo mientras lidia con ser profesional. Idris Elba, como presidente, intenta parecer firme mientras todo se tambalea, pero está tan cagado como todo el mundo.

Lo que consigue Bigelow es terror real. No el de un monstruo, un fantasma o un asesino en serie, sino el de la burocracia y la cadena de mando, el de un sistema que puede irse a la mierda en treinta minutos y nadie puede hacer nada. Lo que aquí ves es lo fácil que puede llegar el fin del mundo hoy en día y lo mal preparados que estamos para ello. Lo hemos visto en la gestión del COVID, en Valencia lo vimos con la Dana… y ahora, con tanta guerra, con tanto conflicto y gente de poder midiendo el tamaño de sus pollas… esto sí que da miedo, pero miedo de verdad.

Máximo Riesgo

La peli deja bastante claro de qué va: adrenalina, alturas imposibles y Stallone colgado de un arnés con esa cara de “me cago en to” mientras intenta salvar a alguien en unas montañas heladas. Y esa escena inicial donde no lo consigue. Uff qué buena. Copiada genial en Ace Ventura: Operación África, por cierto. Ese arranque ya te mete en el tono: esto no va de Stallone como el héroe que puede salvarlo todo, va de gente normal y gente que se cae. Literalmente.

Lo curioso es que, aunque por fuera parece una más de acción de los 90, por dentro tiene momentos casi de slasher: personajes que van cayendo uno a uno, un villano carismático con aires de teatro barato shakespeariano (hablo de ese John Lithgow desatado) y una tensión que se apoya más en el entorno que en las balas. La nieve, el hielo, las grietas, los picos… todo en esta peli puede matarte. Hasta el aburrimiento. Seamos sinceros, no es nada del otro mundo y se vuelve tediosa.

También tiene su punto de peli de colegas, con el reencuentro tenso entre Stallone y Michael Rooker, que se odian pero ya sabes que van a acabar haciendo equipo porque el manual del buen blockbuster lo exige. Pero oye, es una peli que sabe lo que es y no se avergüenza: un espectáculo físico, con músculos, esteroides, labios torcidos, escarcha y frases de mierda entre explosiones.

Y a mí con eso, muchas veces, ya me basta.

La tienes en Movistar+

Y por supuesto, vamos ahora con…

La Peli que te ahorro ver

Sirat

Lo siento, pero no es para mí.

No entiendo qué me he perdido para que vea esto y me parezca lo más aburrido que he visto este año. Una de las películas españolas que hace carrera a los Oscar, la quinta película más taquillera del año... He hablado con gente a la que le ha encantado, otros que la han odiado. No importa que sean cinéfilos o espectadores normales, hay una clara polarización en las reacciones: o te encanta o la odias. Yo absolutamente estoy en el segundo grupo.

Esta película tiene una atmósfera interesante, un elenco variopinto y una intención por ser transgresiva, pero para mí no logra llegar a ser tan desgarradora como se cree, o pretende serlo.

Una hora para que ocurra algo interesante, y cuando ocurre, que se supone que debería ser un momento dramático, profundo, que me dejase con el corazón en vilo, que me rompiese... Lo único que ocurre es la nada. Aunque luego se haga un trabajo con el sonido y la foto para generar ansiedad y que el momento sea más duro. Nada, la absoluta nada. Y no porque yo esté inmunizado contra cualquier giro o momento dramático. Lo que creo, a mi parecer, es que durante una hora la historia no ha conectado conmigo, los personajes aún menos, y cuando tengo que empatizar y sentir algo, en ese momento que aparece porque sí, porque había que hacer algo, está rodado de tal manera que ni me creo el momento, ni las reacciones ni nada.

Ah, bueno, y de ese midpoint hacia adelante, la cosa no mejora. La película volverá a hacer lo mismo una vez y otra vez, y las reacciones serán igual de inverosímiles como los deus ex machina que meten para que pasen cosas y no sea ir del punto A al punto B. La he terminado por auto-obligación. Y al final, ya me estaba riendo de lo absurdo que me estaba pareciendo todo.

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3 Rayos, 6 Muertes y Una Película Maldita

Fri, 31 Oct 2025 20:07:25 GMT

Siendo Halloween como es, me veo en la obligación de preguntarte algo:
¿tú crees en las maldiciones?

No me contestes todavía.
Primero déjame contarte lo que pasó durante el rodaje de La Profecía.
Y te aviso: esto no es ficción.
Es casi como si el mismísimo diablo hubiera querido detener la película...

¡Ah! Y si te gusta lo que hacemos, recomiéndanos, que no cuesta nada.

La Profecía fue un éxito brutal en 1976. Su protagonista, Gregory Peck, aceptó el papel intentando superar algo devastador: su hijo se había suicidado dos meses antes. Quería sanar a través del cine.
Pero lo que vino después fue mucho más oscuro de lo que nadie podía imaginar.

Cuando Peck volaba rumbo a Londres para empezar el rodaje...
su avión fue alcanzado por un rayo.

Y espérate, porque la cosa se pone peor:

El avión del productor Mace Neufeld también fue alcanzado por un rayo.
El del guionista David Seltzer, igual.
Y el productor Harvey Bernhard casi fue alcanzado en persona por otro rayo en Roma, y tan asustado quedó, que desde ese día llevó una cruz durante todo el rodaje.

Tres aviones. Tres rayos. Tres personas.

Coincidencia o aviso.

La producción había alquilado un avión privado.
Gregory Peck iba a volar en él, pero por un retraso decidió cancelar el viaje.
El avión despegó de todos modos, con otros pasajeros.

Poco después... colisionó con una bandada de aves, cayó en picado y se estrelló contra una furgoneta.
Murieron todos: los pasajeros del avión y las tres personas que iban en la furgoneta. Pero aquí viene el giro macabro que no te esperas: esas personas de la furgoneta eran la mujer y lo dos hijos del piloto.

Y aún hay más.
El director Richard Donner estaba alojado en un hotel de Londres cuando fue colocada una bomba del IRA en el edificio (aunque no llegó a explotar).
El productor Neufeld, por su parte, tenía pensado comer en el restaurante Scott’s Oyster aquel mismo día. A última hora decidió no ir.
El restaurante fue destruido por otra bomba del IRA.

Cuando el rodaje terminó, todos respiraron aliviados.
Pensaron que la maldición se había acabado.
Pero no.

John Richardson, encargado de los efectos especiales, sufrió un accidente de coche junto a su asistente Liz Moore.
Ella murió decapitada en el impacto.

Sí, decapitada.
Justo como en una de las escenas más famosas de La Profecía.

La película hablaba del Anticristo, del satanismo, de fuerzas demoníacas…
Y mientras se grababa, tres rayos golpeaban aviones, bombas estallaban, aviones se estrellaban, y varias personas morían.

Los productores juraron que el diablo estaba intentando frenar la película.

Y aún así… The Omen recaudó más de 60 millones de dólares en EE. UU., sobre un presupuesto modesto de 2,8 millones.
Fue la quinta película más taquillera de 1976.
Peck aceptó el papel por un bajo salario más un porcentaje de taquilla — al final fue su mejor ganancia.

Y en marketing, se jugaron fechas como el 6/6/76 para reforzar el aura maldita.

¿Tú qué crees?
¿Coincidencia o maldición?

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🦇 Recomendaciones de la semana

Fri, 24 Oct 2025 06:20:36 GMT

Por Genís @genisbenavent

Hola Batcuever,

Esta semana he tenido una especie de maratón involuntario.

Empecé viendo una cosa por curiosidad, salté a otra por nostalgia y acabé en un Garci de madrugada sin saber muy bien cómo.

Pero me ha encantado el recorrido.

Hay selvas animadas y reales, un experimento raro de Mike Flanagan que me dejó tocado, un clásico que ya no me parece tan redondo como creía y uno de los mejores retratos que se han hecho de Madrid en el cine.

No hay hilo conductor, pero sí una sensación: la de ver cómo el cine cambia contigo. Vamos allá.

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Tarzán

Creo que llego tarde a esta película. Juro que no la había visto nunca entera, pero en mi cabeza estaba construida totalmente. O es que quizás haya ido viendo cosas sueltas y dé por hecho haberla visto. Tanto es así que me sabía hasta alguna de las canciones de Phil Collins.

No sé por qué el otro día me dio por pensar en ella, en el paralelismo con El libro de la selva, en qué había sido de la mona Chita y cosas así. Supongo que ese es el secreto de los vídeos que hago, que de vez en cuando reflexiono sobre estas chorradas y me surgen ideas.

La película está muy bien, las cosas como son. No soy muy fan del diseño de la cara del Tarzán adulto, siempre la he visto muy afilada, pero creo que la animación en general es de 10. Se echa de menos este tipo de animación en Disney, la verdad.

Lo que me ha sorprendido es que, a pesar de lo sencilla que es la historia, no resulta tonta. Tiene muy claro lo que quiere contar y lo hace sin hacerse pesada. También me mola que Tarzán (con voz de José Luis Gil) no hable tanto. Casi todo lo importante se transmite con gestos, con miradas, con cómo se mueve.

Y Clayton… bueno. De manual. Villano de los que son malos porque tienen que serlo. Y te olvidas pronto.

Las canciones de Phil Collins no me entusiasman mucho, aunque se currase cantarlas en todos los idiomas, pero reconozco que están bien metidas. No me saca que no las canten los personajes. Me funciona más como narración que como musical. Y eso, en Disney, no era lo habitual por aquella época.

No la pondría en mi top de pelis Disney, pero me ha hecho pensar. En lo que fue esa época, en cómo se hacían las cosas antes, en por qué todo ahora quiere ser más limpio y me parece más vacío. O todo es la fórmula Pixar del buenismo y quedabien tocapatatas que tanto me cansa. Supongo que es porque echo de menos el Disney de los 90.

La puedes ver en Disney+

La leyenda de Tarzán

Después de verme la de Tarzán animada, me ha venido a la cabeza aquella otra versión que salió años después… de acción real, con Alexander Skarsgard, Margot Robbie y Christoph Waltz. Recuerdo que la vi en su día y me dejó buen sabor de boca. Y oye, me sigue gustando.

Plantea muy bien el “qué pasó después”. Casi como Hook, que es una secuela que no solo funciona si ya conoces al personaje. Aquí propone una visión de Tarzán, más madura, más contenida, más física y, para mí, muy épica. No te repite toda la historia de cómo se crió entre gorilas. Eso ya lo conoces. Mola porque empieza y Tarzán es Lord Greystoke, vive en Londres, lleva traje, y habla con diplomáticos, pero aunque intenta encajar, vemos que no lo hace al 100% y lleva una máscara. La selva lo sigue llamando y los flashbacks van completando las piezas: su vínculo con los animales, su trauma, su amor por Jane.

No habla con los animales, ni bailan, ni cantan, ni sale Phil Collins. Pero aunque no hable con ellos, los entiende. Hay una conexión de él con la naturaleza, es como un espíritu, un fantasma en la jungla que está conectado.

Y bueno, no es perfecta. Tiene momentos, algún exceso digital, y el director a veces va con en piloto automático. Pero hay una buena idea detrás y bastante bien ejecutada. Creo que es de esas películas que pasa sin pena ni gloria y que considero un placer culpable. Me gusta

Puedes verla en Prime Video

La vida de Chuck

No sabía absolutamente nada de La vida de Chuck antes de verla. No había visto el tráiler ni leído sinopsis, y creo que eso fue lo mejor que me pudo pasar. Solo sabía que era de Mike Flanagan, el mismo que adaptó Doctor Sueño, y que salía Tom Hiddleston. Con eso me bastaba.

Flanagan ya me había ganado con Doctor Sueño, que me pareció una secuela muy digna de El resplandor. Tenía momentos de terror, aventura y homenaje a Kubrick que funcionaban a la perfección.

Con La vida de Chuck me pasó algo parecido. Es una película rara, en el mejor sentido. Está dividida en tres actos, pero en vez de ir en orden, empieza por el tercero, luego va al segundo y termina con el primero. Y lo curioso es que, incluso contada al revés, la estructura emocional sigue funcionando: hay planteamiento, desarrollo y desenlace, solo que vistos desde otro ángulo.

No quiero entrar en spoilers, porque esta es una de esas historias que se disfrutan más sin saber nada. Hubo un momento en el que, de repente, todo encajó y entendí realmente qué estaba viendo. Una sensación de que la película cambia delante de ti y cobra un significado completamente distinto.

Lloré, y mucho. Es una película que conectó con muchos de mis recuerdos personales. Hay una escena en la que un niño ve películas en VHS con su abuela, y me recordó a mi infancia. A cuando veía pelis con mi familia, y a cómo sigo haciendo eso con mis sobrinos. Pasarles las películas que marcaron mi vida, como Regreso al futuro, Dentro del laberinto o Star Wars. Ese gesto tan simple de compartir cine con otra generación. Creo que por eso me llegó tanto. Porque, sin contar mi historia, hablaba de algo que también es mío.

Tom Hiddleston está increíble. Tiene una energía tan cercana, tan cálida, que parece que el personaje se haya escrito para él. Hay momentos en los que lo ves bailar o moverse y piensas: esto es Hiddleston siendo él mismo, y aun así encaja perfectamente en lo que la película quiere contar.

La tienes en tu cine habitual.

¿Quién engañó a Roger Rabbit?

La recordaba mejor, la verdad. Me pasa casi siempre con esta película: tengo un recuerdo increíble de lo divertida que es, de su banda sonora espectacular, de la animación, los chistes, lo bien que encaja todo… y luego, al volver a verla, me empiezo a aburrir en varios tramos.

El concepto es brillante, eso no lo discuto. Pero hay algo en el tono que nunca termina de cuajar. A ratos parece una peli muy tonta para niños, y de repente se vuelve demasiado adulta, casi como si no supiera a quién quiere gustar. Me sigue pareciendo una gran obra por lo que supuso, por cómo mezcló mundos que nadie había unido antes. Pero como película en sí, más allá del hito que representa, se me queda a medio gas.

Hay otros experimentos parecidos, como Cool World o la nueva de Chip & Dale. Esta última ya la he comentado varias veces: me encantó. Y aunque claramente es una copia moderna de Roger Rabbit, me parece bastante mejor.

No sé, quizás me matéis por esto, pero siempre me ha parecido algo sobrevalorada. Eso sí: hay que verla al menos una vez en la vida.

El crack

Esta es posiblemente una de mis películas españolas favoritas de todos los tiempos. Película de detectives, cine negro con toques quinquis, transición, corrupción, y Alfredo Landa en un papel que podría ser perfectamente la antesala del John McClane de Jungla de Cristal. Un hombre al que apodan “el Piojo” y que él mismo dice: “Ya sé que tengo cara de gilipollas, pero me jode que la gente se fíe de las apariencias”. Y claro que no deberían fiarse, porque Germán Areta es un tío muy listo.

No es un héroe, no va de duro, pero cuando hay que apretar, aprieta. Se mueve por Madrid con cara de cansado, como si ya se lo supiera todo. Las calles, los policías, los favores. Nada le sorprende. Alfredo Landa está genial, sin gestos forzados. Solo con un plano de sus ojos ya te deja claro en qué punto está.

Garci dirige con un estilo muy sobrio, heredero del cine clásico americano (incluso referencia mucho de él) pero adaptado a la realidad española del momento. Hay una mezcla muy curiosa: tono de film noir con escenarios reconocibles del Madrid de la transición. Esa idea del detective clásico, pero rodeado de bares, menús de 2 platos con postre y café, y muchos, muchos coches SEAT.

La tienes en Prime Video

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Mi ruta por Sitges: lo que voy a ver este finde

Thu, 09 Oct 2025 06:01:41 GMT

Menuda temporada llevamos, que no paramos quietos ni un fin de semana.
Si hace un par de findes te escribíamos desde la Comic Con de Málaga, ahora lo hacemos desde uno de nuestros festivales favoritos: el Sitges Film Festival. Qué chulo suena decirlo en inglés, ¿eh?

¿Y por qué nos gusta tanto este festival? Te lo resumo en una palabra: cercanía.
Es de los pocos donde realmente se siente la familiaridad entre artistas y medios. No tiene esa pomposidad de otros eventos —como el de San Sebastián, que ojo, es un festivalazo—, pero no transmite la calidez tan especial que sí encuentras en Sitges. Aquí todo se vive como una gran comunidad de gente que ama el cine fantástico, y eso hace que se disfrute el doble.

Si alguna vez te has preguntado cómo funciona esto del festival cuando vas como prensa, te sorprendería saber que no puedes ver todas las películas que ponen. No. Hay un máximo al día (4 + las de acceso libre) que puedes reservar, por lo que tienes que tener tus elecciones claras antes de que abran el proceso de reservas… porque literalmente vuelan en minutos.

Por eso, esta semana, disculpa que no haya recomendación semanal y aprovecho nuestra newsletter para contarte las películas que tengo reservadas como “must” obligatorio.

Vamos al lío.

¡Ah! Y si te gusta lo que hacemos, recomiéndanos, que no cuesta nada.

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Tornado

Thriller protagonizado por Tim Roth y Jack Lowden (si te gusta Slow Horses, ya sabes quién es). La historia nos lleva a la Gran Bretaña de los años 70, donde un grupo de criminales despiadados se cruza con un espectáculo ambulante de marionetas samuráis dirigido por un padre y su hija. Pero cuando los criminales asesinan al padre, la hija tendrá que vengar su muerte.

Dirige John Maclean (no, no es el prota de Jungla de Cristal), responsable de Slow West, un western indie que, si no le has echado un ojo, te recomiendo mucho.

Alpha

Reconozco que de esta película no tengo muy claro qué esperar, y todo se debe a su directora, Julia Ducournau, de la que ya he visto varias películas como Raw (Crudo) y Titane.
Que Julia bebe mucho de Cronenberg no es ningún secreto. De hecho, para mí es una digna heredera suya. Y más aún: el propio Cronenberg ha dicho que Titane es una de sus películas favoritas de la directora. Así que normal que no sepa a qué atenerme.
Lo que sí tengo claro es que, como en sus otras obras, la historia estará protagonizada por una mujer a merced de su cuerpo —uno de los rasgos más característicos de su cine—.

El argumento, por ahora, es bastante incierto: Alpha, una chica de 13 años, es una adolescente problemática que vive sola con su madre. Su mundo se tambalea el día que vuelve del colegio con un tatuaje en el brazo.

La crítica, por desgracia, no la ha recibido con mucho entusiasmo. Dicen que se queda por debajo de Titane y que peca de ser excesivamente pomposa.
Diosito, mándame fuerzas para aguantar su visionado.

Shelby Oaks

Su póster ya lo dice todo: hemos venido a sufrir. Y su argumento no hace más que confirmarlo:

Cuando un documentalista descubre una pista perturbadora, la desesperada búsqueda de una mujer por su hermana perdida hace años se convierte en una obsesión, al darse cuenta de que el demonio imaginario de su infancia podría haber sido real.

Le tengo muchísimas ganas, y no es para menos: está producida por el maestro del terror de esta década, de quien seguro has visto alguna de sus obras más famosas, como La caída de la casa Usher o The Haunting of Hill House. Sí, hablo de Mike Flanagan. Vamos, terror de calidad garantizada.

Vieja Loca

Producida por Bayona y protagonizada por Carmen Maura… con eso ya me tienen ganado.

Pedro recibe un mensaje desesperado de una exnovia pidiéndole que cuide de Alicia, su madre senil. Lo que parece una misión sencilla pronto se convierte en su peor pesadilla. Pedro necesita escapar… pero Alicia no se lo va a poner fácil.

La película tiene claros guiños a Misery de Stephen King, pero con un toque muy español. Esto puede salir de maravilla… o no tanto. Aun así, da tranquilidad ver quién la produce y, por supuesto, quién la protagoniza. Además, que el casting se limite a solo tres personas es una pista: prepárate para un tour de force con tensión brutal de principio a fin.

Sí, las expectativas están altas.

Death of a unicorn

Esta película es más comedia que terror, y la presencia de Paul Rudd solo lo confirma.
La sinopsis ya promete una fumada maravillosa: un padre y su hija atropellan a un unicornio con su coche y acaban llevándolo al refugio natural de un director general farmacéutico multimillonario. Sí, has leído bien.

No es que me muera de ganas de verla, la verdad, pero con Paul Rudd, Jenna Ortega y Will Poulter en el reparto, como mínimo tiene que ser divertida.

Dato curioso: también aparece Téa Leoni, actriz muy popular en los 90 por pelis como Bad Boys, Deep Impact o Jurassic Park III.

The Furious

Entre tanto terror tenía que haber un hueco para la acción… aunque me da que aquí voy a salir empachado. Con un elenco que incluye a Yayan Ruhian y Joe Taslim, dos bestias que ya repartieron gloria en una de mis pelis favoritas de artes marciales, The Raid, las expectativas con The Furious están por las nubes.

La peli es una buddy movie en la que un experto en artes marciales busca a su hija, secuestrada por una red de tráfico de menores, y termina aliándose con un periodista que también ha perdido a su esposa. Juntos se enfrentan a criminales y policías corruptos en un cóctel de hostias, venganza y camaradería.

Vamos, un mix entre “Venganza” y “The Raid” con aroma a peli de colegas al límite. ¿Qué puede salir mal?

Ah, y ojo, que además está nominada a Mejor Película en el festival.

Primate

De regreso de la universidad, Lucy se reúne con su familia… y con su chimpancé Ben. Todo va bien hasta que, durante una fiesta en la piscina, Ben contrae rabia y se vuelve violento. Lucy y sus amigos acaban atrincherados en el agua, intentando sobrevivir como pueden.

Con esta sinopsis, como mínimo debería ser entretenida, ¿no? Pero claro, luego miras quién la dirige (Johannes Roberts) y se te baja todo el hype. Entre sus “mejores” obras están Resident Evil: Bienvenidos a Raccoon City (¡meh!) y Los extraños: Cacería nocturna. Bufff… esto pinta regular. Igual va directa a la categoría de “pelis que no te recomendamos”.

Good Boy

Esta podría ser la película más mainstream del festival, y gran parte del mérito es de su campaña en internet (Filmin tiene mucho que ver en eso) y de la increíble interpretación del propio protagonista: un perro llamado Indy.
Rodada durante tres años como un experimento que pone al espectador en la perspectiva del perro, ofrece una experiencia tan inmersiva como emocional. Vamos, podríamos decir que es una especie de “El sexto sentido”… pero con un perro.

El argumento ya te lo imaginas: una casa encantada a la que se mudan un perro y su dueño. Cuando oscuras entidades empiezan a amenazar al compañero humano, el valiente cachorro deberá luchar para proteger a quien más quiere.

¿Un perro protagonista? Estoy dentro.

All you need is kill

Basada en la novela del mismo nombre, seguramente su argumento te suene:

Cuando los alienígenas Gitai invaden la Tierra, Keiji Kiriya es uno de los muchos reclutas enviados al frente con una armadura de combate para luchar... y morir. Pero tras caer en batalla, algo extraño ocurre: cada mañana despierta para revivir el mismo día una y otra vez. Hasta que, en su iteración número 158, ve algo distinto, algo que rompe el ciclo: una soldado legendaria conocida como la Perra de la Guerra.

Y sí, esta historia te suena porque ya la viste en carne y hueso con Tom Cruise. Al filo del mañana (Edge of Tomorrow) fue la adaptación cinematográfica de esta novela, y ahora vuelve a la carga en formato animado. Será interesante ver quién consigue capturar mejor la esencia de la obra del escritor Hiroshi Sakurazaka.

¿Bucles temporales? ¿Dónde hay que firmar?

La leyenda de Ochi

Imagina una fórmula a la que le añades la productora A24 (responsable de joyas como Hereditary, Ex Machina o Civil War), Willem Dafoe y una especie de baby Yoda peludo. ¿Qué podría salir mal?

Espero que nada, porque le tengo muchísimas ganas.

La historia se sitúa en una isla remota de Carpathia, donde una niña tímida ha sido criada para temer a una misteriosa especie llamada ochi. Pero cuando encuentra a un bebé ochi herido y abandonado, decide escapar para vivir una aventura intentando devolverlo a su hogar.

Pinta a película familiar de aventuras con alma de clásico ochentero, y seguro que bebe de E.T..
Solo espero que no beba de Mi amigo Mac. Con eso me conformo.

Gaua

Montañas vascas, siglo XVII. En plena caza de brujas, Kattalin huye de su marido, abandonando el caserío en mitad de la noche. Perdida en la oscuridad del bosque, siente una presencia que la acecha. En su camino se cruza con tres mujeres que, mientras lavan ropa junto al río, comparten historias de miedo y habladurías del pueblo. Para su sorpresa, Kattalin acabará formando parte de esas mismas leyendas.

Paul Urkijo, director de Irati, vuelve a sumergirse en la mitología vasca para ofrecernos una historia de terror protagonizada por brujas —de las de verdad, no las de cuento—, y lo hace como solo él sabe: con una fotografía exquisita y composiciones que parecen sacadas de un museo.
Y, por si fuera poco, en el reparto está Elena Irureta.
¡Ganazas!

La hermanastra fea

Retorcida versión del clásico cuento de La Cenicienta, que mezcla comedia y terror a partes iguales.
Sigue la historia de Elvira, una joven que compite con su increíblemente bella hermanastra en un reino donde la belleza es un negocio despiadado. Y claro, Elvira está dispuesta a hacer lo que sea necesario para llamar la atención del príncipe.

Es una película noruega de la que solo espero que no se haga pesada, porque, de momento, es la más larga de todas las que tengo apuntadas. Casi dos horas.
Eso sí, me quedo tranquilo sabiendo que la crítica internacional la ha puesto por las nubes. Algo es algo.

La vida de Chuck

Tenemos varias cosas jugosas en esta película: por un lado, su director, Mike Flanagan (el maestro del horror); por otro, que está basada en un relato de Stephen King; y, por último, su protagonista: el carismático Loki… digo, Tom Hiddleston.

La película relata tres historias vinculadas con el personaje Charles “Chuck” Krantz, contadas en orden inverso: desde su muerte por un tumor cerebral a los 39 años hasta su infancia en una casa que podría estar encantada.

Se estrenó en el Festival de Toronto en 2024, pero ha pasado más de un año hasta que la hayamos podido ver aquí. Y sí, en Estados Unidos tuvo un estreno limitado en junio de 2025.

¡Ay, las distribuidoras y su manía de jugar al “festival primero para el prestigio”!

Exit 8

Un andén vacío, un pasillo interminable y una regla letal: solo puedes avanzar si no hay anomalías a la vista. Vértigo Films trae una joya que está arrasando fuera de nuestras fronteras: la adaptación del videojuego de Kotake Create, The Exit 8, un loop mental donde un personaje anónimo queda atrapado en una estación de metro y cada paso en falso lo devuelve al inicio, sin escapatoria posible. Tiene mucho de Cube, y mucho de videojuego. Nominada a Mejor Película en Sitges, ya corre el rumor de que podría ser la mejor adaptación de un videojuego jamás filmada, y después del pase me tocará echar una partida para comprobarlo por mí mismo.

Silencio

Vampirismo, lesbianismo, peste bubónica y SIDA: esa sería, más o menos, la definición de lo último de Eduardo Casanova. Original, desde luego que lo es.

La historia nos presenta a unas hermanas vampiras que sobreviven a la escasez de “sangre humana limpia” provocada por la Peste Negra, pero el verdadero veneno no es la enfermedad, sino el silencio que las rodea. Siglos después, una de sus descendientes se enfrenta al mismo conflicto durante la pandemia del SIDA en España, descubriendo que la condena social sigue siendo la misma. Y que el amor entre “enfermos” y “sanos”, entre humanas y vampiras, sigue provocando el mismo terror.

¿Qué sucede cuando la eternidad se mide en siglos de silencio?

Es interesante seguir la dirección que toma Casanova y el mensaje que quiere transmitir: la sociedad juzgando y condenando sin piedad, generación tras generación.

Decorado

Con dos nominaciones, lo último de Alberto Vázquez, ganador del Goya en 2022 por Unicorn Wars, nos trae una historia de crisis existencial. Aquí, Arnold es un ratón con un matrimonio que se desmorona, que siente que su vida carece de sentido y empieza a sospechar que todo a su alrededor es una gran farsa. Cuando su mejor amigo muere en circunstancias sospechosas, Arnold se convence de que algo no encaja.

Cuando vi Unicorn Wars me quedé sin palabras. Era una locura de esas con un final que no esperas y un mensaje antibelicista que cala sin necesidad de ser repetitivo. Así que, con Decorado, las expectativas son altas.
Porque, seamos sinceros… ¿quién no ha pensado alguna vez que su vida es un poco absurda?

Luger

Rafa y Toni trabajan para Ángela, una abogada que ofrece soluciones rápidas… aunque un poco al margen de la ley. Su último encargo: recuperar un coche robado de uno de sus clientes. Pero en el maletero se encontrarán con una misteriosa caja fuerte que guarda una reliquia de la Segunda Guerra Mundial: una Luger P08, muy codiciada por tipos peligrosos de los bajos fondos.

Con un estilo que recuerda a las primeras películas de Guy Ritchie —Lock, Stock and Two Smoking Barrels y Snatch— y un estilo de buddy movie ochentero. Ha tenido menciones del jurado en el Fantastic Fest 2025 de Austin y ya se está posicionando como una de las grandes “sorpresas” del cine independiente español.

Y bueno… que sale David Sainz. Con eso ya tengo más que suficiente hype para verla.

Si pudiera te daría una patada

Ganadora del Oso de Plata a la mejor interpretación (Rose Byrne) en Berlín y con cero críticas negativas en Filmaffinity, siento que no tengo otra opción: tengo que verla.

La historia sigue a Linda, una mujer que lucha con la enfermedad misteriosa de su hija, un marido más ausente que presente y una relación cada vez más tensa con su terapeuta, interpretado por Conan O’Brien. Todo ello enmarcado en una comedia dramática que promete equilibrar drama y humor.

Si todo lo que dicen los medios —“retrato negro y divertido de la maternidad”, “interpretación del año”…— es cierto, estas dos horas van a valer muchísimo la pena.

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Recomendaciones de la semana

Sat, 27 Sep 2025 09:35:37 GMT

Este viernes te escribo desde la San Diego Comic Con de Málaga, donde intentaremos estrecharle la mano al gran Schwarzenegger, sacarle un autógrafo a Luke Evans y, por supuesto, preguntarle a Daryl Dixon cuándo piensa cortarse el pelo.
Y entre tanta estrella, también estaremos dando un par de charlas que pintan muy, muy bien.

👉 El viernes a las 20:15 en el Auditorio 3 nos encontrarás junto a Rafa Zabala, escultor y artista de VFX. Quizás su nombre no te suene todavía, pero seguro que has flipado con su trabajo: ha participado en Man of Steel, Infinity War o El Hobbit, entre muchas otras.

👉 El sábado 27 a las 20:30, en el mismo auditorio, nos metemos de lleno en un tema jugoso: clásicos, rarezas y excesos del terror y el gore. Y ojo, que lo haremos junto a Martín Canale y Franco Carlesino, auténticos cracks de la escultura 3D, los Messi del modelado de figuras. Sí, esas que cuando miras el precio te das cuenta que es necesario pedir una hipoteca para poder pagarlas.

Así que ya sabes: si te pasas por la Comic Con, ¡vente a saludar!

Vamos al lío.

¡Ah! Y si te gusta lo que hacemos, recomiéndanos, que no cuesta nada.

Una batalla tras otra (Peli)

¿Qué pasaría si mezclas El Gran Lebowski con un thriller político?
Pues que obtienes Una batalla tras otra, lo nuevo de Paul Thomas Anderson, que para mí entra directa al podio como la mejor película que he visto este año.

El pasado miércoles tuve la suerte de asistir al preestreno invitado por Warner. Y ojo al detalle: en la misma sala, a dos filas, estaban Almodóvar, David Trueba y Daniel Monzón… como si nada.

Pero vamos a lo importante: la peli.

Es una tragicomedia que se mete de lleno en racismo, armas y lobbies políticos, pero con un humor tan fino que te ríes al mismo tiempo que te incomoda. Las interpretaciones son brutales —no sabría con cuál quedarme porque todos están de diez—. La fotografía tiene planos que te dejan clavado en la butaca, y el montaje marca un ritmo frenético que no te suelta ni un segundo.

Y sin spoilers: la tensión del final es pura delicia.

Una batalla tras otra no necesita promo: es de esas películas que el tiempo la convertirá en cine de culto. Si hasta Spielberg ha confesado que la ha visto tres veces…

La tienes en tu cine más cercano.

El Vengador Tóxico (Peli)

Esta semana hemos tenido la suerte de colarnos en el preestreno y solo puedo decirte una cosa: es una absoluta locura. Ese humor absurdo y salvaje que recuerdas de joyas como ¡Agárralo como puedas! vuelve con fuerza (sí, ese tipo de comedia que ya casi no se hace, salvo el remake con Liam Neeson). Y créeme: lo necesitamos de vuelta.

No te voy a soltar spoilers, pero sí te adelanto algo: Peter Dinklage -sí, el mismísimo Tyrion Lannister- se convierte en un superhéroe mutante lleno de cicatrices, músculos radioactivos y mala leche. ¿Cómo narices pasa eso? Tendrás que verlo, porque la transformación es una auténtica ida de olla.

Dirige Macon Blair, un tío con estilo propio al que reconocerás por Blue Ruin o la joya indie Green Room (y que me apunto para recomendarte). Y aquí se luce, mezclando gore bestia con humor tan absurdo que te hace llorar de la risa. Hay tanto guiño al cine ochentero (Este muerto está muy vivo incluido) que parece un festival para cinéfilos frikis.

Si disfrutas del cine gamberro, del splatter cómico y de los superhéroes pasados de rosca, esta peli es para ti.
Si no… bueno, siempre puedes seguir viendo Disney+.

La tienes en tu cine más cercano.

Sorda (Peli)

Preciosa película que nos mete de lleno en la piel de Ángela, una mujer sorda que espera un bebé junto a su pareja oyente. El embarazo despierta en ella miedos frente a la maternidad y a cómo podrá comunicarse con su hija. La llegada de la niña desencadenará una crisis de pareja y llevará a la protagonista a enfrentarse a la crianza en un mundo que, claramente, no está pensado para ella.

A diferencia de la oscarizada CODA (que ya os recomendaré en otra ocasión), esta cinta no busca ser buenrollista ni victimizar a su protagonista. Para nada. Lo que plantea es una problemática que se abre en múltiples perspectivas: explorar las posibilidades de acercamiento entre sordos y oyentes sin caer en un paternalismo —tan común y muchas veces fruto del desconocimiento o la falta de interés—, y mostrar también cómo las personas sordas lidian con la frustración de vivir en un entorno que no les tiene en cuenta.

Entre sus momentos más brillantes, destaca el plano secuencia en el que Héctor (Álvaro Cervantes) prepara la cena mientras escucha música, y Ángela avanza desde su habitación hasta la cocina. Una aproximación que culmina en un baile cargado de significado: él oye la canción, y ella la percibe a través de él.

La tienes en Movistar+.

Redline (Peli)

Esta película de anime llevó a la ruina a uno de los estudios más legendarios de Japón: costó 30 millones hacerla porque su creador tenía una obsesión enfermiza con la perfección artística. ¿El resultado? 100.000 frames dibujados completamente a mano, sin una pizca de CGI cuando todos ya tiraban de ordenador. Lo que salió de ahí es una obra maestra. La experiencia visual más loca que vas a ver jamás.
Si Speed Racer la hubiera dirigido alguien absolutamente obsesionado con la perfección, eso sería Redline.

La premisa es sencilla: una carrera llamada Redline en la que todos los pilotos sueñan competir. Pero ojo, no es una carrera cualquiera: aquí vale todo y es a vida o muerte. Añádele mafias, un país autoritario que quiere prohibirla y una animación tan salvaje que no sabes ni dónde mirar… y ya tienes la película más estimulante que hayas visto nunca.
De hecho, es imposible verla leyendo subtítulos, porque tiene un ritmo infernal.

Aunque no está en plataformas, no te preocupes que puedes verla gratis en Youtube con subs o sin subs.

La peli que no te recomendamos

Agárralo como puedas 2 1/2: El aroma del miedo

Qué rabia da cuando la secuela de una película no está a la altura de la primera. Y eso es justo lo que pasa con este clásico de Leslie Nielsen: sí, está lleno de humor absurdo… pero del malo, del que ni al día siguiente te saca una sonrisa. Es un humor tan simplón que a veces hasta duele a la inteligencia.

¿Veces que me reí de verdad? Dos. Y estamos hablando de una peli de hora y media. Se me hizo densa, y eso que iba con cero expectativas, porque ya sabemos que las segundas partes rara vez están a la altura. Pero lo de esta secuela es de otro nivel.

El villano no tiene ni una pizca de carisma; comparado con el de la primera, parece una caricatura mal hecha. Y el personaje de Nielsen es tan exageradamente tonto que cuesta verlo. La gracia en la original era que Frank se creía más listo de lo que era; aquí parece directamente que le han hecho una lobotomía. Solo diré que las meteduras de pata del principio, en la escena de la mesa, dan más vergüenza ajena que risa.

En fin, si aun así quieres revisitarla, la tienes en Netflix, Movistar+ y HBO Max.

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🦇 Recomendaciones de la semana

Fri, 19 Sep 2025 07:04:16 GMT

Por Genís @genisbenavent

Hola Batcuever,

Hace un par de semanas os comenté que en mi cuenta de Letterboxd se me estaban acumulando las reseñas de películas. Pues bien, ya estoy más o menos al día.

A principios de año me propuse que a cada película que viera le haría una crítica en la red social de cine. Así también aprovechaba para tener siempre contenido en esta newsletter.

Pero madre mía, en menudo lío me metí. Algunas me las he ido dejando y han pasado tantos meses que ya ni me acuerdo de qué iban.

En fin, dejemos la chapa de “propósitos de 2025 absurdos” y vamos con las recomendaciones.

Si te gustan estos contenidos, nos harías un favor compartiendo el post para que lleguemos a más gente.

El maestro que prometió el mar (película)

Una historia real, sin esconderlo, que merecía ser traída al cine. Y eso tiene cosas buenas y otras no tanto. Lo mejor es cuando vemos el pasado y hablan los hechos: un maestro que llega a un pueblo en 1935, deja que los niños escriban lo que piensan, sean creativos, les promete que verán el mar. Y ya está. Con eso basta para que algo te remueva.

Hay algo de La lengua de las mariposas, una pizca de Chocolat, pero no está a la altura de ellas, en mi opinión.

La estructura en dos tiempos funciona a ratos. La parte actual, con la búsqueda del abuelo en una fosa, se vuelve casi impostada y sin interés. No molesta, pero no emociona igual. Cada vez que saltamos al pasado, la cosa mejora. Aunque el final, duele en ambos tiempos, y como buen llorón que soy, a lágrima viva iba.

Enric Auquer es el corazón de la película y la lleva a sus hombros de manera excelente. Su personaje funciona. No busca el discurso fácil ni se excede demasiado. Solo es un tío que enseña como cree que hay que enseñar, sabiendo que le puede costar caro.

No es redonda y a veces se pasa de solemne, pero lo que cuenta es importante y por supuesto, merece que se sepa.

La puedes ver en Netflix

Ballerina (película)

Vale, tenía ganas de ver una película de acción, coreografías, tiros, explosiones y un buen curro de los stunts, y justo eso me he llevado.

Es un spin-off de John Wick y lo que hace es jugar a sus normas, pero en esta ocasión con una protagonista femenina. Tenemos a Ana de Armas, que debe habérselo pasado genial haciendo esta película: sale guapa, la han enseñado a pelear y, además, tiene la ocasión de batirse en duelo contra el mismísimo Keanu Reeves, que vuelve como Baba Yaga. No solo vuelve para conectar con su saga, por si alguno se sentía molesto por ver una peli de John Wick sin John Wick. Vuelve para molar tanto como siempre y, además, de una manera muy bien llevada.

La peli tiene un argumento que podría caber en un post-it, seamos sinceros. Pero tiene más de esa mitología que envuelve este universo de asesinos, permitiéndonos, como ya hacían las anteriores, descubrir el funcionamiento y engranaje de este submundo oculto.

Los escenarios me han gustado mucho. Aquí no estamos constantemente en clubs nocturnos, como creo que pasaba casi siempre con las de Wick, y eso da un punto de color diferente. Ella tiene poca personalidad, aunque hay que decir que hace más o menos lo que Reeves: cara de palo y repartir. Eso sí, la vemos errar mucho. No tiene la experiencia de John, y eso está bien llevado. Aunque lo que más me gusta es ver cómo resuelve cosas a modo videojuego, como el momento en que no tiene armas salvo granadas, y con eso logra abatir a varios de formas muy divertidas.

En fin, que no es nada del otro mundo, pero da gusto ver cine de acción de calidad. Y a esto no le pides más que entretenimiento ligero de tiros y hostias.

Puedes verla en Prime Video

El refugio atómico (serie)

Esta es, sin duda, la serie española más ambiciosa que he visto. Netflix apuesta fuerte y, tras ver el primer episodio, me ha encantado.

Imagina que, con todos los conflictos sociopolíticos, la Tercera Guerra Mundial asoma y solo los más ricos pueden permitirse un refugio antinuclear con restaurante, habitaciones y todo lujo de comodidades. Pero nada es lo que parece, y puede que estés encerrado en ese búnker con tus peores enemigos.

Esa es la premisa de El refugio atómico, la nueva serie de Álex Pina, creador de La casa de papel. Es una coctelera tan bien ideada que no me extrañaría que se convierta en un exitazo.

Lo mejor es que visité las localizaciones donde se rodó y son, tal cual, un búnker real construido sala a sala. La sensación era la de estar dentro de la serie. Experiencia chulísima.

El arranque tiene un aire muy Guy Ritchie con un tipo en prisión, para luego meterte en un búnker que recuerda a Fallout, con una estética que también evoca El juego del calamar. La trama arranca fuerte y ya en el primer episodio suelta algunos giros que me dejaron con el culo torcido. Además, juega con un humor negro muy bien medido. Disfruté mucho su arranque y me quedé con ganas de ver más y de cómo se va a liar todo ahí dentro.

Puedes verla en Netflix

Por cierto.

El otro día asistí a un pase privado de la última de Paul Thomas Anderson, Una batalla tras otra, y aquí te dejo mi review sin spoilers

Se estrena en cines el próximo 26 de Septiembre

Fight or Flight (película)

Una macarrada muy divertida. Si has visto Bullet Train con Brad Pitt, aquí tienes una película que bien podría ser la misma pero cambiando el tren bala por un avión. Sin embargo esta creo que aún le da una vuelta de tuerca más al gamberrismo. Hay más gore y Josh Hartnett está desatadísimo.

Es una peli de peleas, asesinos, sangre, vísceras, adrenalina y mucha mala leche. Mola porque no se toma en serio a sí misma y entretiene de principio a fin.

Hace años yo era mega fan de Josh Hartnett, me gustaba tanto que me vi todas sus películas, incluso las que no conocía ni Dios. Como me mola The Faculty, Black Hawk o El caso Slevin. Desapareció una época, luego le vi volver en Penny Dreadful, molando muchísimo, pero la serie fue empeorando, a mi parecer. Y de repente está de vuelta, Guy Ritchie le mete en sus pelis, Shyamalan y Nolan también, y tenemos un nuevo resurgir de Josh. O al menos esa sensación me da. Y aquí es un héroe de acción, el típico John McClane de resaca mezclado con Jason Statham repartiendo leches. Y oye, para un fan del cine de acción como yo, esto es un despiporre de los que me mola.

No sé cuánto ha hecho Hartnett de las coreografías en esta película, pero si es él... Madre mía cómo se lo ha currado.

Está para alquilar en AppleTv+

Y por supuesto, vamos ahora con…

La Peli que te ahorraremos ver

El mapa que me lleva a ti

La vi entera, ¿eh? Que conste. Pero fue un suplicio.

La venden como una historia de amor intensa de una ruta por Europa, pero lo único intenso es lo incómodo que es él. Un tío que no escucha, que aparece cuando no toca, que va de aventurero encantador y no... Un acosador de manual, pero lo venden romántico. Hay momentos en que las chicas le miran rollo ¿este qué quiere? y el pavo las persigue soltando mierdas que no tienen sentido.

Y ella, bueno, ni siquiera parece muy convencida de que no sea un asesino. Y no me extraña. Pero oye, se le pasa y se enamora porque así lo quiere el guionista. Y está forzadísimo porque no hay ni una pizca de química. Todo forzado. Cada escena que debería ser íntima da más cringe que ternura. Y encima te quieren colar que ese flechazo justifica tirarlo todo por la borda.

¿La historia? No hay. Van de ciudad en ciudad sin que pase nada. Todo se sostiene en la promesa de que “algo” va a estallar, pero cuando llega el supuesto giro dramático, ya te la suda. El secreto de él es tan de manual que huele a recurso desesperado para que llores.

Pero ni de coña pienso llorar aquí. Porque si tengo que llorar, será de rabia por haber aguantado hora y media de miraditas vacías, frases pseudo profundas y un final que quiere emocionar, pero no tiene con qué.

Mierdón absoluto.

La tienes en Prime Video

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Recomendaciones de la semana

Sat, 13 Sep 2025 14:30:15 GMT

Si algo tiene Tiburón que me parece superinteresante es que creó un auténtico libro de estilo sobre cómo hacer este tipo de blockbusters. Y te aseguro que todas las películas hasta hoy en día lo han seguido. Pelis como Alien, Nope o incluso Jurassic Park repiten esta fórmula secreta que se sostiene en nueve puntos clave, los mismos que hicieron que Tiburón fuera Tiburón.

¿Quieres descubrir esos nueve puntos? Pues vente este domingo 14 de septiembre a las 21:00, donde hablaremos de esto y mucho más. Además, tendremos un invitado de lujo: Agustín Jiménez.

Las entradas las tienes pinchando en la imagen.

Vamos al lío.

¡Ah! Y si te gusta lo que hacemos, recomiéndanos, que no cuesta nada.

Task (Miniserie)

Si te gustó Mare of Easttown, entonces tienes que ver lo nuevo de su creador. De momento solo hay dos capítulos disponibles en HBO, pero ya te digo que esto pinta muy bien.

La historia enfrenta a dos personajes totalmente opuestos. Por un lado, un agente del FBI alcohólico que carga con un trauma —del que apenas se insinúa algo en los primeros episodios— y que ha sido destinado a un grupo especial encargado de investigar una serie de robos en narco casas. Al otro lado, el sorprendente culpable: un padre de familia aparentemente normal que se ve arrastrado a esta espiral.

Tienes que verla porque su director sabe cocinar el suspense a fuego lento y, además, aprovecha al máximo las interpretaciones de sus protagonistas: un Mark Ruffalo que vuelve a demostrar su talento para dar vida a personajes reales, acompañado de un (para mí) desconocido Tom Pelphrey. Revisando su trayectoria, veo que ya había pasado por Ozark y Outer Range.

Por cierto, si sois fan de los Goonies, sale uno de sus actores. A ver si lo reconocéis.

La tienes en HBO Max y Movistar.

Rambo: Acorralado Parte II (Peli)

Hacía tiempo que no volvía a ver esta película y tengo que reconocer que sigue pareciéndome entretenidísima. La sinopsis ni hace falta contarla porque ya te la imaginas: John Rambo es excarcelado y enviado a una misión para averiguar el paradero de soldados norteamericanos desaparecidos. En teoría, solo debía sacar fotos, pero como siempre la cosa se va de madre y Rambo acaba siendo… Rambo.

Creo que ha sido un poco injusto el trato que ha recibido esta película, sobre todo por la comparación con la primera. Sí, Acorralado es una obra maestra al lado de esta, pero no hay que olvidar que sin Rambo II ese arquetipo de héroe imparable de los 80 no habría existido. Se le pueden decir muchas cosas malas, pero lo que no se le puede negar es que es tremendamente entretenida y te la ves de una sentada sin despegarte. Y en estos tiempos de generación TikTok, donde cuesta mantener la atención más de un minuto, eso ya dice mucho de una película.

La puedes ver en Movistar+ y FlixOlé.

Rocketeer (Peli)

Hay películas que tienen magia y otras que no. Esta es de las primeras. Déjame que me explique. El artífice detrás de toda esa magia se llama Joe Johnston, y te aseguro que, si creciste en los 80 o 90, te acompañó en tu infancia sin que te dieras cuenta. Y no lo digo solo por Rocketeer, para nada. El bueno de Joe también dirigió Cariño, he encogido a los niños, El guardián de las palabras, Jumanji, Hidalgo e incluso la primera película del Capitán América.

Pero que Johnston sepa imprimir esa magia en sus películas no es casualidad. Todo viene de George Lucas y, más concretamente, de Star Wars. Joe empezó su andadura en el cine en Lucasfilm, y él mismo considera esa época como la mejor escuela de cine que jamás podría haber tenido.

Así que sí, Rocketeer tiene mucho de eso. Y si no la has visto, la vas a disfrutar. Desde su banda sonora —que ya estoy tarareando mientras escribo, con ese arranque en los créditos iniciales que te promete una aventura de verdad— hasta esas escenas legendarias en las que el protagonista entra en acción. Y, sobre todo, por esa mezcla tan divertida de personajes reales como Howard Hughes o Hitler con personajes ficticios.

Por cierto, si eres fan de Lost, reconocerás al instante al actor que interpreta a Hughes.

La tienes en Disney+.

Sakamoto Days (Serie)

Llegué a este anime porque vi el manga en una librería y, al leer la contraportada, descubrí que su autor dedicaba el primer número a todos los fans del cine de acción. Eso me despertó la curiosidad por ver qué había conseguido crear, siendo él mismo tan fan de ese cine.

La historia es divertidísima. Imagina que John Wick se retira porque se enamora de una chica (un momento… eso ya pasa en la peli, ahora que lo pienso). Bueno, pues aquí es algo parecido, solo que más realista: coge peso, lleva una vida rutinaria trabajando en un supermercado… pero sigue siendo un monstruo. Porque Sakamoto es como una especie de Son Goku capaz de parar balas con palillos de dientes. Lo típico: intenta dejar la organización, pero claro, no es tan fácil quitárselo de encima.

En resumen, una serie de anime divertidísima, llena de humor y tiros, que seguro te saca más de una sonrisa.

La tienes en Netflix.

Los asesinatos de la tienda de yogur (Miniserie)

Interesante true crime sobre un caso que, a día de hoy, sigue sin resolverse. Cuatro chicas aparecieron asesinadas y quemadas en un establecimiento que vendía yogur y, aunque detuvieron a varios sospechosos, finalmente fueron exonerados.

Se trata de una miniserie de solo cuatro capítulos que hace algo poco común en el género: centrarse en los familiares de las víctimas y en cómo les ha afectado todo el proceso de investigación. Al principio reconozco que me echaba para atrás que se enfocara más en las víctimas que en la investigación, pero al final se convierte en un estudio social muy interesante que hace que te devoras los capítulos en un solo día.

Si quieres un punto de vista distinto dentro del true crime, este documental es para ti.

La tienes en HBO Max y Movistar+.

Si has llegado hasta aquí, enhorabuena, este es tu premio por haber leído tanto.

Spoiler: mi escena favorita.

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Tiburón: 50 años del clásico que inventó el blockbuster

Tue, 09 Sep 2025 15:18:08 GMT

Por Genís @genisbenavent

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Hola, Batcuever,

Si pienso en una película que pueda estar en mi Top 5, pocas me vienen tan claras como Tiburón.

Medio siglo después, sigue teniendo ese poder extraño de ponerte nervioso con solo ver agua en calma. Y lo más curioso de todo es que nada salió como estaba planeado. El tiburón mecánico se rompía, el rodaje se alargaba sin control y Spielberg era un chaval de 28 años que no sabía si volvería a dirigir después de aquello.

Pero a veces el caos se convierte en arte. Y lo que parecía un desastre en 1975, acabó transformándose en una de las películas más influyentes de la historia.

Hoy vamos a bucear en sus detalles, en las curiosidades que la mantienen viva y en cómo consiguió inventar, casi sin quererlo, el modelo de blockbuster que todavía seguimos repitiendo cada verano.

🔴 ANUNCIO IMPORTANTE: Nuestro próximo directo en Madrid

🎬 El 14 de septiembre en La Estival (Plaza de España, Madrid) celebramos el 50 aniversario de Tiburón con un evento muy especial.

Nos acompañará Agustín Jiménez en una charla en directo sobre la película, y después la veremos en pantalla grande.

Cerveza fría, cine al aire libre y un clásico del suspense.

📍 Si eres de Madrid o alrededores y quieres pasarte, hazte con tu entrada ahora que estás a tiempo.

🎟️ 👉 Hazte con tus entradas aquí

Y si crees que estas curiosidades podrían interesarle a alguien, nos harías un gran favor compartiendo esta publicación.

Un rodaje condenado… que Spielberg convirtió en oro

Spielberg lo tenía claro: quería rodar en el mar, nada de tanques en estudio. Esa decisión marcaría todo el rodaje. Martha’s Vineyard, en Massachusetts, fue el lugar elegido porque su fondo arenoso permitía colocar raíles para mover al tiburón mecánico. En teoría, un plan perfecto. En la práctica, un desastre.

El animatrónico “Bruce” se rompía cada dos por tres. Su piel de látex absorbía agua, los mecanismos se corroían con la sal, y a veces el bicho se hundía sin remedio. El rodaje previsto para 55 días se fue hasta 159. El presupuesto se duplicó. El equipo entró en pánico. Y Spielberg… bueno, Spielberg pensaba cada noche que su carrera acabaría ahí.

Pero de esa limitación nació la clave: mostrar menos al tiburón y sugerir más. Y ese giro narrativo, forzado por la técnica, fue lo que convirtió a Tiburón en una obra maestra del suspense.

La apertura como declaración de intenciones

La primera escena es ya un manual de terror. Una joven, Chrissie, corre hacia la playa, se desnuda y se lanza al agua de noche. En pocos segundos, la calma se rompe: algo la arrastra violentamente bajo la superficie.

¿Cómo lo rodaron? Con Susan Backlinie atada a arneses y cuerdas bajo el agua. Varios técnicos tiraban de ella en distintas direcciones para simular el ataque. Lo que el público veía era puro instinto: los gritos, los tirones, la impotencia de alguien atrapado por un depredador invisible.

El tiburón no aparece en pantalla, pero Spielberg ya nos ha enseñado lo esencial: el mar, que siempre había sido un lugar de ocio y libertad en el cine, ahora es un terreno hostil.

Dos notas que cambiaron la historia de la música de cine

Y aquí entra John Williams. Su tema principal es posiblemente el más sencillo de la historia: dos notas repetidas. Pero nadie había exprimido tanto con tan poco.

Williams sabía que lo que no se ve da más miedo. Así que convirtió su partitura en la presencia del tiburón. Bastaba escuchar ese “chan-chan” para que el público se tensara. La música avisaba antes que la imagen, generando un reflejo condicionado de puro pánico.

Spielberg lo contaba en entrevistas: al principio pensaba que Williams le estaba tomando el pelo. Hasta que escuchó esas notas junto a las imágenes. El tiburón tenía ya un rugido invisible, y era imparable.

Tres personajes, tres visiones del peligro

Más allá del tiburón, la película es un choque de personalidades.

Brody (Roy Scheider) es el hombre corriente, policía de un pueblo que teme por su familia y por la comunidad.
Hooper (Richard Dreyfuss) representa la ciencia, el optimismo racional que busca entender al depredador.
Quint (Robert Shaw) es la experiencia cruda, la obsesión de un cazador marcado por su pasado.

Su convivencia en el barco es tan peligrosa como el propio tiburón. Discuten, chocan, se desafían. Spielberg los retrata como tres visiones del miedo que solo podrán vencer si se unen.

El monólogo del USS Indianapolis

Uno de los momentos más escalofriantes no tiene tiburones en pantalla. Ocurre cuando Quint cuenta su experiencia como superviviente del hundimiento del USS Indianapolis, un hecho real de la Segunda Guerra Mundial.

El barco llevaba la bomba atómica que se lanzaría sobre Hiroshima. Tras ser torpedeado, cientos de marineros quedaron a la deriva y fueron devorados por tiburones. Quint recuerda cómo las aguas se llenaban de sangre, cómo los hombres desaparecían uno tras otro.

Ese monólogo, reescrito por el propio Robert Shaw, ancla la película en la historia y convierte a su personaje en alguien trágico, casi shakesperiano. No caza tiburones por dinero: lo hace porque el pasado lo persigue.

El verano que cambió Hollywood

Tiburón recaudó casi 490 millones de dólares y se convirtió en la película más taquillera de su época, inaugurando la era del blockbuster de verano. Su estreno masivo en cientos de salas y la campaña de televisión marcaron un nuevo modelo de industria.

El efecto en la cultura fue inmediato: las playas se vaciaron, el tiburón blanco pasó a ser visto como un villano y, al mismo tiempo, creció la fascinación científica por estas criaturas. Medio siglo después, su aleta sigue siendo un icono universal. Lo más increíble es que todo surgió de un rodaje caótico que Spielberg convirtió en oro: menos monstruo en pantalla, más imaginación en la cabeza del espectador.

Una historia llena de curiosidades… y hay muchas más

Si te ha parecido interesante descubrir cómo Tiburón juega con estos detalles, en nuestro libro de curiosidades sobre cine tienes muchas más curiosidades como esta.

Desde referencias ocultas hasta conexiones inesperadas entre películas, el libro está repleto de historias que harán que vuelvas a ver el cine con otros ojos.

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🦇 Recomendaciones de la semana

Fri, 05 Sep 2025 07:05:24 GMT

Por Genís @genisbenavent

Hola Batcuever,

Hay tanta cosa para ver que a veces me entra la ansiedad de que no llego.

Pongo pelis, pongo series, pero luego me obligo a no lanzarme como un loco a escribir la reseña al minuto.

Intento digerir lo que he visto, dejar que me lo pida el cuerpo...

¿El problema?

Que mientras tanto se me acumulan en Letterboxd y ya tengo un cementerio de reseñas pendientes.

Así que hoy suelto unas cuantas aquí, antes de que se conviertan en un archivo perdido.

Y por supuesto, puedes seguir mi cuenta de Letterboxd,

Por último, el próximo 14 de Septiembre tenemos el honor de cerrar el verano con Podcast + Proyección de Tiburón en La Estival, el cine de verano de Plaza España, Madrid.

Tendremos como invitado a Agustín Jiménez y será una noche genial.

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Vamos con las pelis.

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